Muriel Lherm x treeskulltown

France

La série Genesis Protocol est une œuvre collaborative de Muriel Lherm et Treeskulltown. Elle explore la naissance de la conscience en sept actes, mêlant IA, stop-motion et art numérique. Un voyage à travers la lumière, la nature et le cosmos, où chaque œuvre révèle une étape de la genèse de l'existence.


Muriel Lherm est une artiste franco-britannique basée à Londres. Elle combine art génératif IA et esthétique classique avec une approche poétique et contemporaine. En 2025, ses œuvres ont été présentées à Art Basel, NFC Lisbon et AI4Conferences à Las Vegas. Exposée plus de 100 fois dans le monde, elle collabore régulièrement avec des artistes et des projets d’envergure, notamment World of Women, Gamma.io ou encore Claire Silver, dans des expositions physiques et virtuelles à l’échelle internationale.


Treeskulltown est l’avatar conceptuel d’un artiste multidisciplinaire français. Toujours en recherche de connaissances et fort de 20 ans d’expérimentations et d’hybridations entre art physique et digital, son travail porte aujourd’hui sur une quête autant personnelle qu’artistique. Son but est de développer un parallèle temporel, une conversation, avec les maîtres de l’art classique, de créer une subréalité à l’histoire de l’art en utilisant des techniques d’animation en médias mixtes réalisant ainsi un palimpseste analogique en strates digitales. Depuis 2022, son travail est exposé et présenté internationalement dans des grands évènements tels que : Art Crush Gallery, le MOWNA, NFT NYC, NFT Japan, DAM Zine, NFC Lisbonne, NFT Factory Paris, R HAUS Art Basel Miami, QUANTA Gallery London, IHAM NFT Gallery Paris.


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Stage 7: Rest

Stage_7_Rest_Treeskulltown.mp4

Un silence sur la création. L’immobilité comme acte sacré. La pause qui contient l’infini.


L’image présente une œuvre abstraite et colorée, remplie de formes organiques et de figures stylisées. Des silhouettes humaines se détachent au centre, entourées de coups de pinceau vibrants et de motifs fluides. Les couleurs – nuances de bleu, de rose, de jaune et de noir – créent une atmosphère à la fois onirique et dynamique. Les visages et éléments graphiques se superposent, générant un sentiment d’interconnexion et d’émotion. L’ensemble de la composition évoque une exploration des thèmes de l’identité et de l’existence, tout en étant riche en textures et en mouvement.


Dans Stage 7 – Rest, nous atteignons un moment de profonde immobilité, une pause transformative qui encapsule l’essence même de la création et de l’existence. Cette ultime étape nous invite à réfléchir à la sacralité du repos, en soulignant que le calme n’est pas simplement l’absence de mouvement, mais un espace vital et générateur doté d’un potentiel infini. À travers le prisme Sub-Flat, l’œuvre capte l’équilibre délicat entre activité et repos, illustrant comment les instants de silence favorisent la réflexion, le renouveau et la connexion à soi-même et à l’univers.


La représentation visuelle de têtes ornées de motifs complexes fait écho à une conscience collective en dialogue avec son propre parcours : une tapisserie d’expériences qui transcende et englobe les histoires individuelles.


L’utilisation de couleurs vives et de formes fluides traduit la richesse de cette immobilité, nous rappelant que dans cette pause réside l’opportunité d’introspection et de compréhension plus profonde. Cette fluctuation entre mouvement et repos révèle la nature cyclique de l’existence, où le repos devient un catalyseur de croissance et d’exploration futures.


En découvrant cette œuvre finale, le spectateur est invité à embrasser le silence comme un acte sacré, reconnaissant son rôle dans la nourriture et la revitalisation de l’esprit. Ce voyage à travers les sept étapes culmine en une profonde appréciation de la danse vibrante de la vie et des moments de calme qui lui permettent d’éclore. En reconnaissant l’importance du repos, nous trouvons une connexion plus profonde avec nous-mêmes, la nature et le cosmos, ouvrant ainsi de nouveaux horizons d’éveil et de créativité.

technique

collage

format

landscape

duration

00:59

année

2025

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Plus sur l'art numérique

Art génératif
L'art génératif désigne un moyen de créer des œuvres d'art à l'aide d'un système autonome. Dans l'art numérique, celles-ci sont généralement générées à partir de codes et d'algorithmes créés par l'artiste, souvent avec certains paramètres ou systèmes prédéfinis. Bien que ces paramètres guident le résultat final de l'œuvre, l'art génératif est généralement un moyen surprenant de créer des œuvres d'art, car les résultats peuvent être inattendus et le nombre de résultats possibles peut être infini.
IA
L'art IA est une branche de l'art génératif qui utilise l'intelligence artificielle. Contrairement aux autres œuvres d'art génératif, les œuvres d'art IA utilisent des algorithmes et des modèles complexes spécifiques dérivés de l'apprentissage automatique. Les méthodes les plus courantes pour créer une œuvre d'art IA aujourd'hui sont les GAN (réseaux antagonistes génératifs) ou les plateformes de prompting propriétaires telles que ChatGPT, Sora, Midjourney ou Dall-e.
3D
L'art 3D utilise un logiciel 3D tel que Blender, Cinema4D, Houdini ou des logiciels de jeux vidéo tels que Unity pour créer les œuvres d'art. Dans les œuvres 3D, les artistes peuvent soit compiler des assets (des « objets » dans une œuvre ou un monde 3D) qu'ils ont créés eux-mêmes ou achetés à d'autres créateurs afin de créer des environnements et des scènes élaborés (une approche de l'art 3D appelée « set dressing »), soit se spécialiser dans la sculpture, qui consiste à créer ses propres objets et assets.
Photogrammetrie
La photogrammétrie est une technique 3D spécialisée qui permet de créer des objets en 3D à partir de nombreuses images prises d'un objet ou d'une scène sous plusieurs angles. Ces photos sont ensuite compilées afin de déterminer le positionnement, la forme et les dimensions spécifiques de l'objet dans un espace, puis converties en un modèle 3D. Initialement développée pour l'ingénierie et l'urbanisme, la photogrammétrie est devenue un moyen pour les artistes de produire des modèles 3D extrêmement précis à partir d'images de la vie réelle.
Collage
Extension de l'approche traditionnelle et plastique du collage, le collage numérique consiste à rechercher et découper plusieurs images, à les extraire de leur contexte d'origine et à les recomposer dans un nouvel agencement afin de créer une œuvre d'art. Les artistes peuvent utiliser leurs propres photographies ou trouver ces images sur Internet.
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Les illustrations numériques sont créées à l'aide de logiciels tels qu'Adobe Illustrator, Photoshop ou Procreate. Tout comme pour le dessin sur papier, l'artiste utilise un stylet pour esquisser une figure ou un objet, généralement sur une tablette, afin de construire une scène ou un univers artistique. Contrairement aux méthodes de dessin traditionnelles, l'illustration numérique est beaucoup plus tolérante, car les erreurs peuvent être facilement corrigées et les éléments et objets dessinés peuvent être facilement déplacés dans une scène.
Vidéo
Les œuvres vidéo utilisent principalement une caméra d'enregistrement, mais peuvent parfois inclure un post-traitement ou un montage supplémentaire afin de déformer, modifier ou ajouter des éléments à l'image. Certains artistes utilisent des équipements de pointe pour créer des zooms macro ou des timelapse, privilégiant la fidélité au sujet. D'autres utilisent des logiciels pour modifier ou déformer considérablement la vidéo, créant ainsi une perspective alternative sur le monde qui nous entoure.

Collections où apparait l’artiste

  • Adam_Kruseman_Rafafans_Collage.mp4
    Art History
    61 artworks
  • Sweet_Dreams_Kaoru_Tanaka_Generative_art.mp4
  • Gaia_of_the_Metaverse_Marjan_Moghaddam_3D.mp4
  • Cloth_String_Gabriel_Morala_3D.mp4
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