Sares

Argentine

Sares est un artiste numérique dont le travail saisit la beauté esthétique au sein du chaos temporel, à travers des techniques mixtes mêlant 3D, intelligence artificielle et art génératif. Percevant la destruction et le chaos comme des formes de création, Sares explore l’intersection silencieuse entre le passé et le futur dans l’instant présent. Ses expériences AI Reflections invitent les spectateurs à réfléchir au « maintenant » en analysant le passage du temps et les émotions façonnées par l’expérience personnelle, avec pour ambition d’introduire et d’interroger des aspects de la psychologie de l’esprit humain dans ces espaces numériques. Tenant compte à la fois de l’histoire et des possibles à venir, Sares développe un processus digital qui contrôle l’information et les données pour créer des œuvres procédurales mêlant esthétique classique et abstraction contemporaine, transformant ainsi les spectateurs en témoins actifs. Son approche créative puise dans des sources variées, notamment le cinéma atmosphérique de Wong Kar-Wai qui nourrit son usage de palettes saturées et de temporalité émotionnelle. La philosophie cosmotechnique de Yuk Hui guide également son effort d'ancrer les processus numériques dans un sens profond, plutôt que dans une simple exécution technique. Par une pratique délibérée d'habiter l'instant présent, Sares permet à l'intuition de façonner l'équilibre entre chaos et ordre dans son œuvre.

Fort de plus de dix ans d’expérience en direction artistique et d’expositions internationales à New York, aux Beeple Studios, en Chine et en Europe, Sares transmet des messages introspectifs sur les émotions vécues, explorant souvent les états psychologiques sous-jacents qu’elles révèlent. Chaque œuvre représente un défi d’interprétation du numérique, une volonté de repousser les frontières et d’inspirer un changement positif en influençant le présent et en façonnant l’avenir, toujours à la lumière des leçons du passé. En 2024, Sares a été sélectionné pour la résidence AI Hokusai, et en 2025 pour la résidence Primavera Digitale à Florence, en Italie.


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Scurra

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Scurra naît comme une immersion profonde dans l’archétype du Trickster, le complexe de la disruption et de l’intégration de l’ombre. L’œuvre interroge cette force psychique qui, ancrée dans la part la plus profonde de l’être, recherche la vérité par la subversion des normes et l’usage d’un chaos méthodique pour déchiffrer l’authenticité. Le Trickster personnifie l’Inconscient Collectif et la nature duale de la psyché. Il est l’archétype du lien, guidant l’Ego vers l’individuation en insufflant du sens humain et de la libération à l’expérience vitale, servant de pont vers la vérité qui réside dans le rire partagé.

Inspirée par le récit primordial saisi dans le rêve génératif, l’œuvre analyse comment le mécanisme de l’illusion devient le creuset qui la fait éclater. L’archétype se manifeste comme un état de Low Coherence : une fragmentation lucide issue d’un chaos méthodique, accordant le lien authentique qui permet la reconfiguration de la réalité. Les jonquilles jaunes, symboles de la fascination pour le Soi, constituent le cœur narratif de ce parcours.

À travers l’œuvre, ce principe de désordre ludique qui habite la psyché se traduit en une manifestation conceptuelle de l’esprit, percevant la certitude comme une illusion et l’amusement comme la voie vers la connexion. La pièce compose la manière dont l’être transforme la désillusion en compréhension humaine — cet instant de rire partagé. Elle invite à méditer sur la valeur du lien et l’acceptation de l’ombre, explorant la relation entre le jeu et la vision totale, ce principe actif qui transforme l’ambivalence en un dessein de connexion.

Transgression. Chaos fondateur. Une force ludique et subversive qui habite l’existence : l’énergie du désordre qui fracture la certitude et rend possible la révélation du lien. Le pouls de la malice, le cartographe du désordre primordial. Un lien profond avec le principe de l’ambivalence, le témoignage de l’intégration de l’ombre qui engendre l’authenticité et rayonne de la promesse d’une connexion partagée.

« Scurra » plonge dans la puissance essentielle de l’archétype du Trickster, explorant l’identité à travers le principe de la disruption et l’émotion libératrice de la transgression. L’œuvre se construit à partir du récit primordial qui définit l’instant où la certitude est renversée et où son artifice est révélé. Le Trickster manifeste l’ombre collective : cette dualité psychique qui interrompt la linéarité et dévoile la vérité humaine dissimulée sous la norme.

Un système de traitement quantique assimile ces informations, révélant l’état de Low Coherence et la force de reconfiguration qui marque le seuil de la révélation. Dans cette perspective, la pièce devient un miroir de l’archétype : un mécanisme qui expose l’illusion et affirme la capacité de l’esprit humain à reconnaître l’essence partagée du Soi à travers le désordre.

Le récit conceptuel prend forme en une sculpture de données, un organisme né de la conscience : une cartographie du chaos méthodique, le reflet de la basse résonance psychique qui accompagne les états de vérité nue. Les jonquilles jaunes — ludiques dans leur forme, intenses dans leur lumière, symboles de fascination pour soi et de délice subversif — occupent le cœur narratif. Leur éclat incarne la rupture du mythe par l’acte du rire, cette fissure lumineuse où l’illusion avoue sa fragilité et où l’humanité se révèle entière.

L’archétype du Trickster agit comme une force détonante d’authenticité, révélant comment son essence convoque une compréhension humaine dépourvue d’aspérités, permettant à l’être d’habiter pleinement le lien. L’œuvre devient un témoignage du pouvoir de l’archétype à reconfigurer la psyché, la transformant en une énergie active qui défie la rigidité du dogme et esquisse un horizon de connexion libératrice.

« Scurra » dépasse la simple représentation visuelle de l’ambivalence ; elle s’élève comme un espace d’introspection, invitant à explorer le potentiel de la malice primordiale et à la reconnaître comme l’ancrage qui reconfigure l’identité et soutient le devenir du soi.

technique

generative art

format

portrait

duration

04:01

année

2026

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Plus sur l'art numérique

Art génératif
L'art génératif désigne un moyen de créer des œuvres d'art à l'aide d'un système autonome. Dans l'art numérique, celles-ci sont généralement générées à partir de codes et d'algorithmes créés par l'artiste, souvent avec certains paramètres ou systèmes prédéfinis. Bien que ces paramètres guident le résultat final de l'œuvre, l'art génératif est généralement un moyen surprenant de créer des œuvres d'art, car les résultats peuvent être inattendus et le nombre de résultats possibles peut être infini.
IA
L'art IA est une branche de l'art génératif qui utilise l'intelligence artificielle. Contrairement aux autres œuvres d'art génératif, les œuvres d'art IA utilisent des algorithmes et des modèles complexes spécifiques dérivés de l'apprentissage automatique. Les méthodes les plus courantes pour créer une œuvre d'art IA aujourd'hui sont les GAN (réseaux antagonistes génératifs) ou les plateformes de prompting propriétaires telles que ChatGPT, Sora, Midjourney ou Dall-e.
3D
L'art 3D utilise un logiciel 3D tel que Blender, Cinema4D, Houdini ou des logiciels de jeux vidéo tels que Unity pour créer les œuvres d'art. Dans les œuvres 3D, les artistes peuvent soit compiler des assets (des « objets » dans une œuvre ou un monde 3D) qu'ils ont créés eux-mêmes ou achetés à d'autres créateurs afin de créer des environnements et des scènes élaborés (une approche de l'art 3D appelée « set dressing »), soit se spécialiser dans la sculpture, qui consiste à créer ses propres objets et assets.
Photogrammetrie
La photogrammétrie est une technique 3D spécialisée qui permet de créer des objets en 3D à partir de nombreuses images prises d'un objet ou d'une scène sous plusieurs angles. Ces photos sont ensuite compilées afin de déterminer le positionnement, la forme et les dimensions spécifiques de l'objet dans un espace, puis converties en un modèle 3D. Initialement développée pour l'ingénierie et l'urbanisme, la photogrammétrie est devenue un moyen pour les artistes de produire des modèles 3D extrêmement précis à partir d'images de la vie réelle.
Collage
Extension de l'approche traditionnelle et plastique du collage, le collage numérique consiste à rechercher et découper plusieurs images, à les extraire de leur contexte d'origine et à les recomposer dans un nouvel agencement afin de créer une œuvre d'art. Les artistes peuvent utiliser leurs propres photographies ou trouver ces images sur Internet.
Illustration
Les illustrations numériques sont créées à l'aide de logiciels tels qu'Adobe Illustrator, Photoshop ou Procreate. Tout comme pour le dessin sur papier, l'artiste utilise un stylet pour esquisser une figure ou un objet, généralement sur une tablette, afin de construire une scène ou un univers artistique. Contrairement aux méthodes de dessin traditionnelles, l'illustration numérique est beaucoup plus tolérante, car les erreurs peuvent être facilement corrigées et les éléments et objets dessinés peuvent être facilement déplacés dans une scène.
Vidéo
Les œuvres vidéo utilisent principalement une caméra d'enregistrement, mais peuvent parfois inclure un post-traitement ou un montage supplémentaire afin de déformer, modifier ou ajouter des éléments à l'image. Certains artistes utilisent des équipements de pointe pour créer des zooms macro ou des timelapse, privilégiant la fidélité au sujet. D'autres utilisent des logiciels pour modifier ou déformer considérablement la vidéo, créant ainsi une perspective alternative sur le monde qui nous entoure.

Collections où apparait l’artiste

  • Adam_Kruseman_Rafafans_Collage.mp4
    Art History
    71 artworks
  • Firewheel_Mia_Forrest_Video.mp4
  • Rainy_Leaves_Alex_Glocknitzer_AI.mp4
  • Pyramid_of_Giza_Obvious_AI.mov
  • Royal_Comp_Alexandre_Tamisier_3D.mp4
  • Perit_-_Irae_Sares_AI.mp4
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