Interview de Mark Mawson : Figer la danse fluide des pigments dans l'eau

Pourriez-vous nous décrire votre pratique artistique avec vos propres mots ? Qu'est-ce qui caractérise une œuvre signée Mark Mawson ?

Mon travail comporte deux facettes, l'une dédiée à la publicité et l'autre tournée vers les beaux-arts. Ma démarche consiste à photographier et filmer de la peinture, de l'huile et de l'encre dans des réservoirs d'eau ou des boîtes de Petri, il s'agit donc principalement de macrophotographie. C'est un processus extrêmement organique qui évolue de lui-même. Chaque prise est unique et il est impossible de la reproduire à l'identique d'une fois sur l'autre.

Je me considère plutôt comme un artiste traditionnel que numérique. Même si mes prises de vues sont numériques, je travaille avec un appareil photo et je gère mes éclairages exactement comme je le faisais à l'époque de la pellicule argentique. Je ne me définis pas particulièrement comme un artiste numérique. J'ai toujours perçu ces créations comme des œuvres abstraites, même si certaines silhouettes se révèlent plus figuratives. Parfois, les mouvements rappellent des créatures marines ou des paysages extraterrestres lointains, mais mon travail s'inscrit résolument dans l'abstraction.

Quels liquides utilisez-vous concrètement et comment donnez-vous vie à vos œuvres ?

Tout dépend de l'effet que je cherche à obtenir. Il peut s'agir de peinture acrylique soluble dans l'eau, de peinture à l'huile, d'autres huiles comme des huiles végétales, ou encore d'encres. J'utilise également un autre procédé basé sur le ferrofluide, qui s'apparente à une huile magnétique très épaisse. En règle générale, tous ces liquides sont versés dans de l'eau. J'utilise une pipette pour y déposer des gouttes au fur et à mesure.

Mes outils s'adaptent aussi à l'échelle de la prise de vue. Pour les formats très réduits, je me sers de pipettes ou de seringues munies d'aiguilles. À l'inverse, lorsqu'il s'agit d'un grand bassin, je verse carrément de grands brocs de peinture dans l'eau. Le volume peut ainsi passer d'une quantité infime à un espace conséquent.

J'ai très souvent recours au ralenti lorsque la peinture tombe dans le réservoir et forme des nuages, car le mouvement est extrêmement rapide. Par contre, pour le travail dans les boîtes de Petri, je n'utilise pas le ralenti. Il m'arrive même d'accélérer la séquence pour bien mettre en évidence les interactions.

Dans une boîte de Petri, j'utilise généralement une seringue avec une aiguille pour déposer de minuscules gouttelettes juste à la surface et je les laisse se déployer. Dans ce cas précis, c'est une réaction chimique qui s'opère entre les différents fluides. Tout se joue à la surface ou juste en dessous.

Il vous arrive de retravailler vos vidéos après coup, par exemple avec un effet de kaléidoscope. Qu'est-ce qui motive ce choix ? Plus largement, quelle est la part de contrôle et d'intention dans votre travail ? Savez-vous précisément ce que vous voulez avant de commencer ou laissez-vous la magie opérer naturellement ?

Je me laisse guider par l'esthétique et je cherche constamment à proposer quelque chose de nouveau. L'effet de kaléidoscope ne s'adapte pas à toutes les compositions. Quand je vois que le rendu fonctionne, j'aime m'amuser avec lors de la post-production.

Concernant le contrôle, cela dépend si je dois respecter un cahier des charges précis. Parfois, un client souhaite que la peinture descende de manière très étroite dans le cadre. Il faut alors verser le fluide d'une façon bien particulière pour éviter qu'il ne se propage et ne remplisse tout l'écran. Il existe des techniques bien spécifiques selon l'objectif visé. En revanche, pour mes projets personnels, je préfère observer comment les choses évoluent naturellement. Il arrive que l'on soit surpris par de formidables imprévus, ces fameux accidents heureux.

C'est indéniablement un travail de co-création avec les éléments, car ils jouent un rôle immense dans le résultat final. Je ne maîtrise pas tout.

Comment avez-vous débuté dans cette voie et quelle a été votre motivation première ?

Je pense que cela remonte à mes cours de chimie à l'école. J'adorais toutes les réactions chimiques que nous expérimentions à l'époque. C'est de là que tout est parti.

Cette idée est restée ancrée dans mon esprit pendant un long moment avant que je ne la concrétise. Tout a commencé en observant du lait se mélanger à du café, ce qui m'a fait réfléchir. J'avais déjà vu beaucoup de travaux à base d'encre dans l'eau, mais ce n'était pas exactement ce que je recherchais. Je voulais obtenir une matière dense en mouvement au cœur de l'eau. J'ai donc fait des essais avec de la peinture et le premier résultat s'est révélé magnifique. J'ai simplement continué dans cette voie et c'est devenu ma marque de fabrique. J'aime profondément la beauté des formes qui se créent, la façon dont les éléments s'entremêlent, la manière dont le rouge et le bleu fusionnent pour donner du violet. Tout cela dégage une atmosphère de paix et de sérénité absolue.

Pourriez-vous nous en dire un peu plus sur votre choix de couleurs ?

J'utilise des nuances très riches et l'éclairage joue un rôle fondamental. Je filme très souvent sur un fond en velours noir, ce qui permet de faire ressortir l'éclat des teintes. Mon choix dépend beaucoup de mon humeur. Je prépare des palettes de couleurs en amont, mais tout se décide selon mon état d'esprit du jour. Ce n'est pas une décision purement rationnelle, je choisis simplement ce qui me semble harmonieux sur le moment.

En quoi votre processus diffère-t-il lorsque vous créez pour vous-même par rapport à un projet client ? Et lorsque les choses ne se passent pas comme prévu, comment savez-vous qu'il est temps de vous arrêter ou qu'une œuvre ne convient pas ?

La différence majeure réside dans l'échelle de production. Pour les commandes commerciales, j'utilise des bassins beaucoup plus grands et je travaille avec une équipe importante, alors que pour mes projets personnels, je suis généralement seul. Les grands réservoirs sont contraignants, ils demandent du temps pour être vidés, nettoyés et remplis à nouveau entre chaque prise de vue. C'est une logistique bien plus lourde qu'on ne l'imagine. Pour les commandes, je pars avec un but précis et je mets tout en œuvre pour l'atteindre. Cependant, il m'arrive fréquemment de capturer des mouvements inattendus que je mets de côté pour d'autres projets futurs.

Dans le cadre de mes créations personnelles, il y a des jours où rien ne semble fonctionner. Parfois, mon esprit n'est pas disposé à créer, ou j'attends un rendu saisissant qui ne vient pas. À d'autres moments, je reviens sur un projet plus tard et je me dis que le résultat n'était pas si mal et qu'il pourrait servir à autre chose. Pour les commandes d'agences, c'est différent, nous savons exactement ce que nous voulons et nous l'obtenons. Mais lorsqu'on repousse les limites et que l'on expérimente sans obtenir le résultat espéré, il faut simplement persévérer.

En fin de compte, tout est une question de feeling. Il arrive que les couleurs ne réagissent pas comme je l'espérais. La mise au point est également un facteur crucial. Lorsque l'on verse la peinture, elle se déplace à une vitesse folle, il faut donc régler la mise au point de l'appareil à l'avance. Si la plus belle forme qui se dessine n'est pas parfaitement nette, il faut savoir l'abandonner, même si elle était magnifique. C'est parfois frustrant.

Quand quelqu'un contemple vos œuvres, quelle réaction ou quel sentiment espérez-vous susciter ?

Un véritable effet de surprise. En général, les gens s'exclament devant la beauté de la forme ou trouvent le rendu fascinant. C'est exactement la réaction que je recherche. Mais chaque personne perçoit aussi quelque chose de différent. C'est un peu comme regarder les nuages, l'un y verra un lapin et l'autre une tout autre silhouette. Ce que je trouve passionnant, c'est quand un spectateur me dit que telle forme lui rappelle tel élément auquel je n'avais absolument pas pensé moi-même. C'est formidable. C'est une chance de voir que chaque personne apporte sa propre interprétation à mon travail.