Interview de Brindha Kumar : Insuffler les couleurs du patrimoine malaisien dans l'illustration numérique

Pourriez-vous décrire votre pratique avec vos propres mots ? Qu'est-ce qui caractérise une œuvre « Brindha Kumar » ?

J'ai développé mon style au fil des années. J'aime intégrer beaucoup de couleurs, beaucoup de motifs et beaucoup de détails dans mon travail. J'ai aussi récemment commencé à aimer y ajouter du mouvement, pour lui donner plus d'impact, car je pense qu'aujourd'hui les gens aiment voir quelque chose qui bouge plutôt qu'une simple illustration fixe. À côté de cela, je travaille aussi comme tatoueuse, en espérant m'améliorer avec le temps, et j'accompagne de jeunes créatifs qui viennent tout juste d'arriver dans le métier et qui veulent en savoir plus sur le travail d'illustrateur à temps plein. C'est en gros ce que je fais.

Pourriez-vous nous détailler votre processus créatif ? Avec Spring Bloom par exemple, quelle a été l'inspiration initiale, et quelles sont les différentes étapes de création ?

J'ai toujours adoré dessiner des animaux et des oiseaux. Avec mon travail personnel, c'est un espace où je peux me lâcher et créer quelque chose qui me ressemble pleinement, sans avoir à suivre un brief particulier. Avec Spring Bloom, je voulais évoquer cette émotion que l'on ressent lors du passage d'une saison à l'autre. Je voulais créer une scène organisée comme un triptyque, car c'est aussi comme cela que je voulais la présenter sur Instagram. Je me suis concentrée sur chaque section pour développer les animaux et la nature qui la composent.

Je commence généralement par le dessin, car je fais beaucoup de travail vectoriel sur Adobe Illustrator, donc je débute par tous les contours. Ensuite, j'intègre petit à petit les couleurs et je regarde comment elles s'harmonisent entre elles, puis j'ajoute des motifs là où c'est possible sur certaines zones. C'est ainsi qu'est né Spring Bloom.

Tout mon travail a toujours été réalisé de façon numérique. Quand j'étudiais en Malaisie, où j'ai fait la majeure partie de mes études, nous étions très concentrés sur l'utilisation de l'ordinateur plutôt que sur le travail manuel, et je pense que c'est de là que cela s'est développé. Pour les animaux, je pars de références que je trouve en ligne. Pour les motifs, je les crée moi-même, mais je m'inspire aussi de motifs traditionnels existants issus de la culture malaisienne, des traditions chinoise, indienne et malaise, et je vois comment les réunir tous ensemble dans un même décor.

Vous avez évoqué votre héritage malaisien. Pourriez-vous nous en dire plus sur les influences que l'on retrouve dans votre travail ?

En Malaisie, il y a trois communautés : je suis moi-même d'origine indienne malaisienne, et il y a aussi les communautés chinoise et malaise. Chaque culture, à elle seule, regorge d'une immense richesse, que ce soit à travers les vêtements traditionnels, les fêtes, la nourriture, ou même les emballages ; littéralement tout, en Malaisie, dégage toujours une forme de couleur, une forme d'énergie. Même pour mon projet de fin d'études à Londres, j'avais voulu mettre en avant la cuisine malaisienne.

Ce n'est que récemment que j'ai réalisé à quel point cela m'inspire réellement dans ce que je crée ; je ne l'avais pas vraiment remarqué jusqu'ici. Je pense que ce que l'on en retient surtout, c'est la couleur, parce que tout, chez moi, est si vibrant. C'est ce qui me rend heureuse. Quand je crée, j'aime remplir mes œuvres de couleur.

Les animaux semblent être les protagonistes de votre travail. Comment les choisissez-vous ? Portent-ils une signification symbolique ou personnelle ?

En réalité, ils n'ont pas de signification symbolique. C'est plutôt que j'aime les dessiner, je pense même plus que les humains. Si je peux dessiner des animaux, je vais toujours trouver un moyen de les inclure, surtout dans mon travail personnel. J'adore simplement les dessiner, c'est tout. Et c'est vrai qu'il n'y a presque jamais de personnages humains dans mon travail ; j'essaie petit à petit d'en inclure davantage, mais quand on en voit, c'est généralement parce qu'il s'agissait d'un projet pour un client qui avait besoin d'une figure humaine, et je la dessinais pour cette raison.

Vous accompagnez aussi de jeunes illustrateurs en tant que mentor. Pouvez-vous nous en dire plus ?

Adobe a lancé un programme d'apprentissage, je crois que cela fait presque deux ans maintenant, et ils m'ont contactée pour devenir l'une de leurs mentors. J'ai fait du mentorat individuel avec de jeunes diplômés qui voulaient me poser des questions : comment parler aux clients, comment fixer ses tarifs, ce qu'implique le fait de gérer sa propre activité. Ce sont des choses que l'on n'apprend jamais vraiment à l'école, donc c'est agréable de leur donner un peu de recul pour qu'ils soient un peu mieux préparés à se lancer seuls dans le métier.

Je suis aussi allée à des événements Adobe et j'ai participé à des conférences et des sessions de questions-réponses, notamment avec l'Art Directors Club, pour de jeunes créatifs qui veulent en savoir plus sur le secteur. Je n'aurais jamais imaginé devenir quelqu'un qui fait du mentorat, ou qui parle devant un public, car je suis quelqu'un de très introverti. Mais je pense qu'on s'améliore avec le temps, et c'est vraiment agréable de pouvoir partager un peu d'expérience, ou d'aider comme on peut.

Vous travaillez aussi comme tatoueuse. En quoi cela nourrit-il votre pratique de l'illustration numérique ?

J'ai toujours voulu apprendre le tatouage, et je l'ai fait, avant de venir à Londres, à travers un apprentissage en Malaisie il y a plusieurs années. Mais il était difficile de jongler entre les deux, et j'ai fini par me consacrer entièrement à l'illustration. Aujourd'hui, avec un rythme un peu plus calme, j'ai plus de temps pour le tatouage, et c'est agréable d'avoir ce changement, autre chose à faire. La peau est un support tellement différent d'un écran. Je pratique le hand-poke plutôt que la machine, j'aime les points individuels que cela donne plutôt qu'un trait net. C'est aussi une bonne chose en tant qu'indépendante, car le travail est assez irrégulier : parfois c'est très chargé, parfois c'est calme, et c'est là que l'illustration et le tatouage s'équilibrent l'un l'autre.

Avez-vous senti votre pratique évoluer ? Votre profil Artpoint couvre des œuvres allant de 2024 à 2026.

Peut-être mes couleurs : avant, elles étaient plus pastel, plus douces, mais aujourd'hui je trouve qu'elles sont plus vibrantes. Mon travail a toujours été coloré, mais je pense qu'il y a davantage de contraste dans les palettes que j'utilise aujourd'hui. Ces dernières années, je ne pense pas que cela ait énormément changé ; le vrai tournant s'est produit autour de l'obtention de mon diplôme, sur environ quatre ans de travail en freelance et à temps partiel, c'est là qu'a eu lieu le principal changement de style. Depuis, ce ne sont surtout que des ajustements mineurs. Je suis plutôt satisfaite de là où j'en suis aujourd'hui, même si j'aimerais pousser davantage le côté animation, créer plus de mouvement dans mes illustrations plutôt que de petites touches isolées.