Interview de Francesco Misceo : La danse contemporaine rencontre le code numérique

Vos œuvres sont riches et complexes, mêlant de nombreux éléments à travers différents médiums. Comment définiriez-vous votre processus de création artistique avec vos propres mots ? Comment a-t-il évolué pour donner naissance aux œuvres denses que nous découvrons aujourd'hui ?

Aujourd'hui, je me définirais comme un artiste multimédia travaillant dans le domaine des arts numériques et des arts vivants. Ce que je fais, c'est fusionner la danse contemporaine avec l'art numérique et la nature. Je suis originaire d'Italie, avec une formation en arts du spectacle. J'ai obtenu mon diplôme à Peridance, une école de danse à New York, et j'ai fait du hip-hop et du ballet. C'est là que tout a commencé : par l'amour de la performance.

Le domaine du cinéma m'intéresse également, et je savais que si je voulais réussir en tant qu'artiste, je devais explorer et étudier plusieurs disciplines. Il est assez difficile de percer en tant qu'artiste en Italie : presque toutes les opportunités ou expositions majeures que j'ai décrochées proviennent d'un contexte international plutôt que local. Alors, quand j'ai commencé à m'intéresser à l'art numérique, je passais 24 heures sur 24 devant mon PC à regarder des tutoriels sur YouTube, à expérimenter… et j'en suis là aujourd'hui.

L'élément central de mes pièces est toujours le corps humain, que je place au cœur des défis technologiques et artistiques en expérimentant de nouvelles technologies. C'est la beauté des artistes des nouveaux médias : la technique de chacun est différente, unique. Les frontières ne sont plus aussi clairement définies que par le passé.

Comme vous le mentionnez, la danse et le corps sont fondamentaux dans votre pratique artistique. Pouvez-vous nous expliquer les étapes de création de vos chorégraphies ? Où puisez-vous votre inspiration ?

Je m'inspire d'abord du lieu. Ensuite, je mets de la musique et j'improvise - je n'ai jamais pensé de chorégraphie pour moi-même. J'improvise généralement sur ce que je ressens à ce moment précis, dans ces circonstances particulières. J'aime explorer mon corps, et je m'intéresse de très près à la méthode Gaga, un mouvement de danse contemporaine où l'on improvise avec l'espace.

Je suis basé à Bologne, mais c'est une grande ville et je ne me sens pas inspiré par son énergie urbaine. Par exemple, il m'arrive d'aller au sommet d'une montagne pour travailler avec le brouillard et l'atmosphère générale. La plupart du temps, cependant, mon processus créatif consiste à aller filmer dans différents pays. Pour l'œuvre In the Sandstorm, j'étais à New York, sur la plage de Rockaway, et c'est une tempête de sable qui a inspiré mes mouvements. J'ai ressenti des mouvements très fluides venir à moi, pas des mouvements brusques ou de force. Si je suis en ville, en revanche, cela peut donner lieu à des mouvements plus acrobatiques, plus proches du breakdance.

Encore une fois, c'est très instinctif. Je me rends simplement sur place, je laisse le lieu me parler, j'écoute mes émotions et la façon dont les éléments environnants me font vibrer.

Lorsque vous retravaillez numériquement vos danses, vous explorez une grande variété d'effets visuels : certaines œuvres intègrent des particules, d'autres des glitches… Qu'est-ce qui motive ces choix ?

Le choix de l'effet visuel est généralement lié à la musique que j'écoute. Pendant que je danse et que je filme, j'imagine déjà le résultat. Lorsque je travaille avec des sons plus expérimentaux ou abstraits, j'ai tendance à utiliser le système de particules car il semble plus organique et fluide. J'utilise des capteurs pour capter et suivre mes mouvements, puis je génère ces particules en temps réel avec TouchDesigner, par le biais du code. Je l'ai déjà fait tellement de fois que je peux visualiser l'image entière avant même de passer au montage. Récemment, j'ai également commencé à explorer comment les modèles de vision IA générative peuvent s'articuler avec ce traitement en temps réel pour créer des environnements encore plus imprévisibles.

D'un autre côté, mon autre langage visuel est beaucoup plus géométrique, composé de bandes et de lignes acérées. Cette esthétique est plus intense, je l'associe donc à une musique aux rythmes clairs et lourds. C'est plus une question de pulsation.

Parfois, la musique que j'écoute sur le moment, pendant que je danse, n'est pas celle que je vais utiliser par la suite dans l'œuvre ; elle m'aide simplement à me déplacer dans l'espace et à improviser. Sinon, on n'entendrait que les oiseaux, les bruits de la nature… Mais ce n'est pas le même processus, bien sûr. On pourrait écouter les battements de son cœur et bouger avec, mais personnellement, je travaille avec de la musique.

Quand quelqu'un découvre votre art, quels sentiments, pensées ou réactions espérez-vous susciter ?

Je veux que le spectateur vive une sensation similaire à celle de planer dans les airs : un corps libéré de la gravité et des tensions. Il y a une beauté singulière à voir le corps humain disparaître dans son environnement, presque en fusion avec le paysage. Le point le plus important dans mon travail est le lien entre la nature, le corps et l'art numérique. Être pieds nus est une façon pour moi de rester ancré et connecté à l'environnement dans lequel je me trouve - j'essaie d'explorer ce lien sensoriel plus profondément.

Mon travail consiste à partager un message : celui d'écouter la nature de manière holistique, de trouver ce point d'ancrage où le corps et la nature ne font plus qu'un.