Gamgie

France

Clément Rignault, connu sous le nom d’artiste Gamgie, est un créateur pluridisciplinaire basé à Lyon. Se définissant comme artiste numérique, codeur créatif, ingénieur, auteur et performer, il développe des installations, performances et spectacles où le numérique devient une porte vers l’imaginaire. À travers des œuvres génératives créées à partir de code et de modèles inspirés de la physique, il conçoit des univers visuels abstraits dans lesquels particules et formes évoluent selon des systèmes calculés. Utilisant notamment des outils issus du jeu vidéo comme Unity, son travail cherche à susciter des expériences interactives et contemplatives où participants et performeurs deviennent partie intégrante de l’œuvre. Nourrie par la nature, le cosmos et les sciences — en particulier la physique et les mathématiques — sa pratique s’articule autour d’une question centrale : qu’est-ce que la réalité ? Ses œuvres proposent ainsi des espaces de suspension propices à l’imagination, à l’introspection et à l’exploration de la conscience.

En 2011, il fonde à Paris la compagnie Augmented Magic avec le magicien Moulla, explorant les liens entre illusion, technologies numériques et vidéoprojection. Pendant cinq ans, il participe à la création de numéros, d’installations et de spectacles mêlant magie et art numérique, présentés lors de festivals, événements et émissions télévisées à l’international. Dans une démarche d’exploration personnelle, Gamgie s’intéresse également aux états modifiés de conscience et au potentiel du corps comme outil d’expression et de recherche. Cette quête l’amène à expérimenter différentes pratiques telles que la méditation, le jeûne, la marche au long cours ou les environnements extrêmes, ainsi que des formes d’expression corporelle comme la danse et l’art clownesque.


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Half Heart Beat - Vertical

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Half Heart Beat explore un rythme fondamental, intime et invisible : le battement du cœur.

Présent dans chaque corps, ce pouls inconscient régit la circulation et inscrit la vie dans une fréquence variable, modulée par l’effort, l’émotion et le temps. L’œuvre interroge le lien entre le rythme biologique et notre attirance profonde pour les structures répétitives telles que la musique ou les percussions. Les rythmes très réguliers, par leur prévisibilité, ont depuis longtemps été utilisés pour induire des états modifiés de conscience.

Le système visuel suit ici un pouls de 30 battements par minute — soit un battement toutes les deux secondes — formant une unité minimale de mesure du temps. À titre de comparaison, le cœur d’une personne jeune et sportive bat environ à 60 battements par minute.

L’image avance par à-coups, traduisant les poussées successives du cœur et l’inertie qui absorbe chaque mouvement. Elle rend perceptible un flux interne et continu qui traverse le corps tout en demeurant invisible.

L’œuvre explore la possibilité d’une synchronisation — avec la respiration, avec l’attention, avec le rythme intérieur lui-même. Elle met en scène une transition progressive d’un battement discret et régulier vers un flux plus continu, parfois chaotique — passant d’un rythme mesuré à un état de flow.

Aeternity est une série de vidéos qui explore la perception, la conscience et le vertige de l’infini.

À travers des formes abstraites, des structures oscillantes et des champs de force dynamiques, la série interroge la manière dont l’esprit humain tente de saisir ce qui, fondamentalement, le dépasse.

Chaque œuvre crée une tension entre ordre et chaos, harmonie et bruit, attraction et menace.

Des motifs récurrents — cercles, couches, flux, vibrations — évoquent à la fois des phénomènes cosmiques et des paysages mentaux intérieurs.

Les images ne représentent pas la réalité ; elles l’activent, invitant le spectateur à reconstruire le sens par la projection, l’intuition et l’imagination.

Aeternity se concentre sur des seuils :
entre le soi et sa dissolution,
entre le temps linéaire et le temps cyclique,
entre la matière et l’abstraction.

La série propose une rencontre contemplative avec l’infini — non comme un concept à comprendre, mais comme une expérience fragile, instable et profondément humaine.

technique

generative art

format

portrait

duration

03:48

année

2025

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Plus sur l'art numérique

Art génératif
L'art génératif désigne un moyen de créer des œuvres d'art à l'aide d'un système autonome. Dans l'art numérique, celles-ci sont généralement générées à partir de codes et d'algorithmes créés par l'artiste, souvent avec certains paramètres ou systèmes prédéfinis. Bien que ces paramètres guident le résultat final de l'œuvre, l'art génératif est généralement un moyen surprenant de créer des œuvres d'art, car les résultats peuvent être inattendus et le nombre de résultats possibles peut être infini.
IA
L'art IA est une branche de l'art génératif qui utilise l'intelligence artificielle. Contrairement aux autres œuvres d'art génératif, les œuvres d'art IA utilisent des algorithmes et des modèles complexes spécifiques dérivés de l'apprentissage automatique. Les méthodes les plus courantes pour créer une œuvre d'art IA aujourd'hui sont les GAN (réseaux antagonistes génératifs) ou les plateformes de prompting propriétaires telles que ChatGPT, Sora, Midjourney ou Dall-e.
3D
L'art 3D utilise un logiciel 3D tel que Blender, Cinema4D, Houdini ou des logiciels de jeux vidéo tels que Unity pour créer les œuvres d'art. Dans les œuvres 3D, les artistes peuvent soit compiler des assets (des « objets » dans une œuvre ou un monde 3D) qu'ils ont créés eux-mêmes ou achetés à d'autres créateurs afin de créer des environnements et des scènes élaborés (une approche de l'art 3D appelée « set dressing »), soit se spécialiser dans la sculpture, qui consiste à créer ses propres objets et assets.
Photogrammetrie
La photogrammétrie est une technique 3D spécialisée qui permet de créer des objets en 3D à partir de nombreuses images prises d'un objet ou d'une scène sous plusieurs angles. Ces photos sont ensuite compilées afin de déterminer le positionnement, la forme et les dimensions spécifiques de l'objet dans un espace, puis converties en un modèle 3D. Initialement développée pour l'ingénierie et l'urbanisme, la photogrammétrie est devenue un moyen pour les artistes de produire des modèles 3D extrêmement précis à partir d'images de la vie réelle.
Collage
Extension de l'approche traditionnelle et plastique du collage, le collage numérique consiste à rechercher et découper plusieurs images, à les extraire de leur contexte d'origine et à les recomposer dans un nouvel agencement afin de créer une œuvre d'art. Les artistes peuvent utiliser leurs propres photographies ou trouver ces images sur Internet.
Illustration
Les illustrations numériques sont créées à l'aide de logiciels tels qu'Adobe Illustrator, Photoshop ou Procreate. Tout comme pour le dessin sur papier, l'artiste utilise un stylet pour esquisser une figure ou un objet, généralement sur une tablette, afin de construire une scène ou un univers artistique. Contrairement aux méthodes de dessin traditionnelles, l'illustration numérique est beaucoup plus tolérante, car les erreurs peuvent être facilement corrigées et les éléments et objets dessinés peuvent être facilement déplacés dans une scène.
Vidéo
Les œuvres vidéo utilisent principalement une caméra d'enregistrement, mais peuvent parfois inclure un post-traitement ou un montage supplémentaire afin de déformer, modifier ou ajouter des éléments à l'image. Certains artistes utilisent des équipements de pointe pour créer des zooms macro ou des timelapse, privilégiant la fidélité au sujet. D'autres utilisent des logiciels pour modifier ou déformer considérablement la vidéo, créant ainsi une perspective alternative sur le monde qui nous entoure.

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