Qu'y a-t-il vraiment dans les profondeurs de l'océan ? Les eaux de notre planète ont été la source de beaucoup de curiosité et de mystère depuis l'aube de l'histoire de l'humanité, donnant lieu à des histoires et des mythologies riches à travers le temps et les cultures. Dans cette collection, nos artistes se penchent eux-mêmes sur le sujet, réinterprétant et imaginant des mondes sous-marins dans leur propre style. Qu'il s'agisse de crypto-poissons vivant nativement sur OpenSea, de captations vidéo réelles de la vie sous-marine microscopique, ou encore de la remise en question de nos propres relations humaines avec l'eau, cette collection présente de multiples expériences et façons d'interagir avec l'entité sublime qu'est l'océan.

Nous sommes de plus en plus conscients de l’importance de la santé mentale et c'est une bonne nouvelle. Souvent considérés comme facilement remédiable, les problèmes de santé mentale sont en fait difficiles à comprendre et à surmonter. Ils obscurcissent nos pensées et floutent notre vision de la vie. Nous perdons notre objectivité et notre jugement est teinté de stress et d’inquiétudes. Les artistes matérialisent à travers des expériences visuelles ce à quoi peuvent ressembler les problèmes de santé mentale afin de nous sensibiliser et ils nous rappellent à quel point il est important d’être attentif et de se faire aider.

En noir et blanc comme des photographies vintage… et pourtant, un côté résolument contemporain habite les créations des artistes numériques. S’exprimant à travers des techniques diverses, allant de la 3D à l’art génératif, certains artistes font cependant palette commune pour ne s’en tenir qu’à deux couleurs : le noir et le blanc. Un retour à une simplicité dualiste, un même motif intrinsèque, mais libre d’interprétation. S’il peut s’agir d’une réflexion à l’omniprésence des couleurs et des messages, on peut aussi voir dans ces compositions monochromes une opposition intemporelle. Le noir et le blanc comme la confrontation, l’altérité, le contraste, dans un manichéisme porteur de sens et d’émotion.

Laissez-vous happer par la féérie hivernale avec la collection "Let it snow!". Les artistes explorent avec ingéniosité les textures, les motifs et les couleurs de l'hiver et de Noël, pour réveiller nos souvenirs d’enfance et célébrer la magie de Noël ! Grâce à leurs boucles infinies, animations ludiques, ou collages étonnants, ils captent l'esprit enchanteur de la saison, évoquant l'envie irrésistible de se promener dans des paysages enneigés. Cette collection incarne l’esprit de l’hiver, transportant les spectateurs dans un univers où les flocons dansent et où la joie de cette période se révèle à travers des créations artistiques tendres et nostalgiques.

Cette collection, “Réinventer la peinture”, est à double sens. D’une part, elle s’intéresse aux manières dont l’art numérique repense le médium même de la peinture, ses outils, ses pinceaux, ses pigments, pour leur conférer des propriétés impossibles dans le monde réel : les aquarelles ondoient, deviennent tridimensionnelles, les coups de pinceaux prennent vie et se mettent à danser…

Mais ces outils se saisissent aussi de l’héritage de l’histoire de la peinture pour le questionner, le transformer, le réinventer. Loin d’en être déconnecté, l’art numérique interroge et s’inspire de son passé, comme l’art le fait depuis l’Antiquité. Au sein de cette collection, la Joconde sourit, les nuages de Van Gogh spiralent et le Voyageur de Friedrich se transporte dans une cité futuriste, tandis que Benjamin Bardou tente de révéler les possibilités infinies contenues dans la peinture “par touches” de la fin du XIXème siècle.

Matière proche du corps, le textile a toujours été lié à l’identité, au toucher et aux formes de transmission culturelle. Tissé, brodé ou assemblé, il porte des récits, des gestes et des mémoires qui traversent les époques. Les œuvres réunies ici prolongent cet héritage en le transposant dans le champ numérique. Par la simulation de matières, le travail de la texture ou la réinterprétation de motifs, les artistes explorent la continuité entre gestes anciens et outils contemporains afin d’explorer cette dimension tactile autrement, en suggérant des sensations, des matières et des reliefs à travers l’image et l’écran.

Les outils numériques ont imposé une métamorphose radicale à notre rapport à la lecture et l’écriture. Cette collection rassemble des œuvres qui explicitent ce changement : elles montrent des bibliothèques de rêve, incarnant l’accumulation infinie de textes que le monde virtuel rend possible, et démontrent ou regrettent la disparition de l’écriture manuelle.

Une chose est sûre : démultipliés par l’ère numérique, les mots sont plus puissants que jamais. Ils sont une inspiration, une arme, une bouée de sauvetage, et une porte de sortie. Préservons les mots et les livres, virtuels comme physiques : ils incarnent notre humanité.

Sous toutes ses nuances, le vert rappelle la nature, l'espoir et le progrès. Il évoque les forêts luxuriantes et les prairies verdoyantes, des symboles de renouveau et de croissance. On le complète parfois de pointes de jaune, de brun ou de manière plus audacieuse, de rouge. Pour autant, le vert se suffit à lui-même, vibrant et vivant. Symbole de sérendipité, la vue de ces oeuvres ne présage que bon augure, inspirant un sentiment de bien-être et de possibilités infinies.

Cette collection invite à entrer dans un monde poétique où les teintes et les nuances sont délicates et appaisantes. Chaque œuvre permet de savourer la subtilité des dégradés et des textures. Dans l'univers des oeuvres Pastel, la douceur règne.

Avant que le virtuel ne prenne le dessus, c’est le mécanique qui dominait. Autrefois symbole ultime de modernité, la mécanique incarnait les espoirs de l’ère industrielle : précision, contrôle, maîtrise de la matière. Elle marquait une première rupture avec notre nature organique — totalement détachée des rythmes fluides, imprécis et imprévisibles du vivant. Mais aujourd’hui, dans un monde dématérialisé où les algorithmes façonnent le réel et où tout tend vers l’intangible et le virtuel, la mécanique prend des allures de rétrofuturisme. Elle n’est plus synonyme d’avenir, sans pour autant appartenir tout à fait au passé.

La mécanique occupe désormais un entre-deux étrange : étrangère au numérique, détachée du biologique. Ni vivante, ni immatérielle, elle déploie un imaginaire visuel qui lui est propre — froid, tangible, rigoureusement précis. Et c’est précisément cette altérité, ce détachement à la fois du vivant et du code, qui fascine à nouveau les artistes contemporains. Dans cette collection, ils réexplorent et réinventent le langage esthétique des boucles, des engrenages et du mouvement perpétuel. Que reste-t-il de la machine quand sa fonction industrielle s’efface — lorsqu’elle cesse d’incarner le progrès et devient un pur objet de contemplation ?

Cette collection se déploie autour des éclats de lumière — scintillements, reflets, étincelles — qui transforment le regard et transfigurent l’ordinaire. Des paillettes qui soulignent un détail à la surface miroitante de l’eau au coucher du soleil, des confettis en suspension aux reflets mouvants des diamants, chaque œuvre joue avec l’illusion d’un monde où la lumière devient matière.

Entre magie et réalité, ces éclats convoquent à la fois le merveilleux des feux d’artifice et la fragilité des souvenirs, comme si chaque reflet portait en lui un fragment de rêve. À l’image des « étincelles fugitives » de Baudelaire ou des visions étincelantes chères à Proust, la brillance n’est pas qu’un ornement : elle est une expérience sensorielle totale.

Ici, la lumière n’éblouit pas seulement, elle guide l’œil vers l’extraordinaire, révélant que dans chaque scintillement se cache un passage vers l’imaginaire.

Dans un monde qui s’accélère, ces œuvres choisissent une autre voie : celle du ralenti, de l’infime, du presque immobile. Une fleur qui frémit, une silhouette en suspension, un paysage qui respire à peine… Ici, le numérique n’amplifie pas le tumulte : il crée un espace de calme, un temps parallèle. Ces créations contemplatives nous invitent à ralentir, à percevoir autrement le mouvement, à redécouvrir la beauté des transitions douces — développement, disparition, lévitation ou rotation délicate. Une esthétique de la lenteur, qui nous reconnecte à l’essentiel.

Toutes les formes d'art - qu'il s'agisse de peinture, de sculpture, de photographie ou d'art numérique - ont le pouvoir d'encourager un état d'esprit contemplatif et méditatif. Il en va de même pour l'art numérique, où certains peuvent trouver la paix dans la perfection d'un code bien exécuté, l'équilibre dans des formes symétriques ou géométriques, ou le rafraîchissement dans un bain de technicolor.

La manière dont les artistes numériques travaillent et développent la tradition artistique existante de l'abstraction est fascinante. Ces derniers mois, on a assisté à l'émergence de mouvements au sein même de la sphère de l'art numérique, comme l'Abstraction Générative, qui met en lumière des œuvres abstraites réalisées à l'aide de codes. Alors que de nombreux artistes inclus dans cette collection sont des artistes génératifs, cette sélection présente également des utilisations de logiciels 3D et même de photographie comme autant de moyens et de médias par lesquels les artistes repoussent les limites de ce à quoi ressemble l'abstraction dans la nouvelle ère numérique de l'histoire de l'art.

L’art numérique s’accompagne parfois d’une forme de nostalgie pour l’art traditionnel. Les artistes cherchent ainsi à concilier les chefs-d’œuvre de l’histoire avec les outils de notre époque, repoussant toujours plus loin les limites de la création. Découvrant de nouveaux horizons, ils nous font redécouvrir un art antique aux airs plus vrais que nature, grâce à des scans 3D ou des modélisations qui rendent hommage aux bustes de personnages mythologiques ou bien réels. Dans une fusion entre antique et numérique, voyagez au travers des époques et des styles artistiques.

La France est l'un des principaux pays d'Europe pour l'art numérique et le Web3. En célébrant la créativité et les contributions des artistes français aux médias et techniques numériques, la France continue de s'imposer comme un leader sur les questions liées à l'intersection entre l'art et la technologie. Dans cette collection, une grande diversité de techniques - telles que l'art génératif réalisé avec du code, la captation vidéo, la 3D et le collage numérique - démontre la nature vaste et profonde de l'engagement de la France dans le développement de ce secteur.

Bien que numérique et innovations soient bien souvent associés, dans une démarche artistique particulière, certains artistes repensent les codes des médias plus traditionnels pour proposer des créations à la frontière entre mode et vintage. Dans une esthétique résolument vintage qui rappelle les journaux et magazines du siècle derniers, les artistes adoptent le numérique pour donner une seconde jeunesse aux archives et apporter une touche moderne, transformant les collages traditionnels en créations 3.0.

Les mathématiques structurent le monde qui nous entoure, et l’art n’y échappe pas, derrière chaque forme et chaque équilibre visuel opèrent les mêmes lois que celles qui régissent la nature, l’architecture ou le vivant. Symétrie, kaléidoscopie, fractales, cubes, application de théorèmes mathématiques : ces principes forment le socle de cette collection. Loin d’être opposée à la création artistique, la rigueur mathématique en devient ici un outil, un cadre à l’intérieur duquel l’imaginaire peut se déployer.

Cette collection regroupe des œuvres qui s’appuient sur les langages algorithmiques formels pour générer des compositions visuelles rigoureuses et parfois même hypnotiques. À travers des jeux de répétition, équilibres précis et variations infinies, les artistes transforment les règles mathématiques en expériences sensibles, où la logique devient matière esthétique.

Le design a souvent entretenu des liens étroits avec les beaux-arts. Dans l'art numérique, où de nombreux artistes commencent leur carrière en tant que graphistes ou concepteurs de sites Web, le lien entre les deux semble plus étroit que jamais. Dans cette collection, les artistes explorent les espaces intérieurs dans le contexte du design et des beaux-arts. En utilisant l'IA, la technologie 3D ou même le collage, chaque artiste aborde le design d'intérieur d'une manière différente, qu'il s'agisse de construire un espace onirique hyperréaliste ou d'interpréter un intérieur dans le métavers.

Les fleurs sont un symbole et un thème aimé et reconnu par tous. Elles ont été le sujet principal des artistes et des mouvements depuis des siècles, et les artistes numériques ne font pas exception. À l'ère de l'art numérique, les fleurs sont réinterprétées par le biais de codes, de technologies 3D, de collages ou autres, afin d'explorer la manière dont elles occupent l'espace de nos vies, tant dans l'IRL que dans le métavers.

To The Moon est une collection d'œuvres d'art numérique qui explore les merveilles de l'espace, la lune et les intrépides astronautes qui se sont aventurés au-delà de notre planète. Chaque pièce de cette collection capture la majesté et la beauté impressionnante du cosmos grâce à des techniques variées telles que la 3D et le collage numérique. Bien qu'elles soient axées sur l'espace et la technologie, les œuvres d'art de la collection To The Moon véhiculent également un sentiment d'émerveillement et de respect pour l'univers. Elles nous rappellent les possibilités infinies qui existent au-delà de notre propre planète et nous incitent à rêver de ce qui se trouve au-delà.

Savoir, comprendre : voilà le but fondamental de l’humanité. Les premières mythologies ont été inventées pour expliquer la météorologie. Toutes nos grandes inventions ont été le fruit de l’obstination d’un savant à comprendre un phénomène donné. Ce savoir, nous avons d’emblée été obsédés par sa préservation et son accumulation : ainsi sont nés collections, musées et bibliothèques, et nous considérons l’incendie de celle d’Alexandrie comme l’une de nos plus grandes pertes collectives.

Notre but, donc, pourtant aussi notre ultime frustration. Plus nous engrangeons de connaissancse, plus nous constatons l’étendue incommensurable de tout ce que nous ne saurons jamais - c’est là une expérience universelle. Dès lors, comment retranscrire en art cette préoccupation intemporelle, cette quête nécessaire et pourtant sans fin ?

Pendant des siècles, la communauté LGBTQIA+ a été forcée de se cacher. Aujourd’hui, avec des événements annuels tels que la Pride, nous sommes de plus en plus en mesure de célébrer nos identités, et les personnes qui ne s’identifient pas aux normes hétérosexuelles et cisgenres peuvent se réunir pour créer un environnement sûr dans lequel évoluer et vivre. Mais le combat n’est pas terminé. Partout dans le monde, être queer est encore stigmatisé et les personnes qui font partie de cette communauté sont encore victimes de violences physiques et psychologiques. À travers leurs œuvres, les artistes partagent leurs réflexions sur l’identité et le genre tout en montrant les progrès réalisés. Soyons fiers du chemin parcouru et continuons à célébrer toutes les identités !

Dans cette sélection d'œuvres, une variété d'artistes célèbrent la beauté de la nature à travers différentes techniques. Certains artistes utilisent des méthodes photographiques ou vidéographiques pour capturer la pureté de la nature telle que nous la vivons aujourd'hui. D'autres poussent ce concept un peu plus loin en transformant les perspectives et en remettant en question la façon dont nous percevons la nature. D'autres encore s'inspirent de notre monde naturel et créent une flore et une faune qui pourraient exister dans notre monde, tout en étant teintées de quelque chose de surréaliste.

Le glitch art émerge de l’erreur technologique, transformant les défaillances des systèmes et les données corrompues en un langage artistique délibéré. En exposant les structures invisibles qui sous-tendent les images numériques, les artistes réinvestissent l’accident et le dysfonctionnement comme des espaces de création plutôt que comme des défauts à effacer. Ce qui devrait rester caché : pixels altérés, données corrompues et ruptures visuelles, devient la matière de nouveaux récits visuels.

Mais le glitch dépasse largement la seule question esthétique. Comme l’ont montré artistes et théoriciens, l’erreur peut également agir comme un geste politique : une perturbation des normes, des identités et des systèmes qui exigent cohérence et conformité. En révélant les failles des espaces numériques, le glitch art invite à interroger la prétendue neutralité des technologies et des images qui nous entourent au quotidien. Ces œuvres embrassent l’instabilité, l’ambiguïté et la transformation, suggérant que dans la rupture réside la possibilité de repenser la manière dont les corps, les identités et les réalités sont construits. Dans le glitch, l’échec devient un terrain fertile pour imaginer de nouvelles façons d’exister au sein, et au-delà, de nos cadres technologiques.

Le lien entre le cinéma et l’art numérique est un jeu fascinant, comme présenté dans cette sélection d’œuvres. Les deux médiums partagent un objectif commun d’expression artistique, de narration et d’exploration des émotions humaines. Au début du cinéma, les cinéastes s’inspiraient de l’esthétique visuelle de la vie quotidienne, incorporant des éléments de composition, de couleur et de symbolisme dans leur travail, comme le font encore aujourd’hui les artistes contemporains. Les cinéastes contemporains collaborent souvent avec des artistes visuels, fusionnant leurs talents pour produire des films visuellement riches. Ces liens entre les deux disciplines restent une relation dynamique, où chaque médium continue d’inspirer et d’informer l’autre.

Plongez dans le monde de la Robotique, avec une collection dans laquelle les artistes explorent la relation complexe entre les humains et les machines. Abordant la conscience collective, remettant en question notre compréhension de ce que signifie être humain face aux progrès technologiques rapides, les artistes mettent en perspective l’essence même de notre humanité. L’expérience humaine est-elle reproductible, imitable, voire remplaçable ? Où se situe la limite entre ce qui est organique et ce qui est synthétique ? Alors que les artistes nous confrontent à la possibilité de créer des humains augmentés, ils nous poussent à nous demander si la robotique améliore ou diminue notre existence. La technologie nous rend-elle meilleurs ou pires? Devrions-nous craindre la montée de la robotique, ou devrions-nous saisir les opportunités qu’elle offre? Pouvons-nous créer quelque chose de vivant, quelque chose d’humain, à partir de machines, à mesure que la technologie évolue? Dans ces œuvres, les artistes abordent ces différentes questions et offrent des réponses, liant leurs pratiques aux enjeux les plus contemporains.

• La Ville Nocturne vous plonge dans le rythme vibrant de la ville lorsque le soleil se couche et que les rues s'éveillent sous les lumières artificielles. Dans cette collection, les artistes capturent l'atmosphère des environnements urbains, où le mouvement, la lumière et l'ombre s'entremêlent et forment un portrait intime de la nuit. L'environnement urbain n'est pas seulement une toile de fond, c'est une entité vivante en mouvement qui peut être à la fois énigmatique, paisible, nostalgique ou même énergisante. Embarquez pour un voyage visuel à travers la ville et découvrez la beauté cachée d'un monde qui prospère dans l'obscurité.

Dans cette collection d’œuvres, les artistes s’inspirent de l’esthétique et des symboles du Japon pour créer des visions tantôt poétiques, tantôt contemporaines. Entre l’éclat éphémère des sakura, la majesté du mont Fuji, la grâce intemporelle des geishas et l’élégance des kimonos, chaque pièce réinvente les paysages et les traditions nippones. Les temples se parent de lumière, les ruelles de Kyoto se transforment en scènes oniriques, et les sushis eux‑mêmes deviennent motifs graphiques. Grâce aux outils du numérique - intelligence artificielle, 3D, collage - ces œuvres capturent l’essence du Japon tout en la faisant voyager au‑delà du réel

Le miracle de la science se présente comme un témoignage de la curiosité, de l’ingéniosité et de la persévérance humaines. Par la poursuite de la connaissance et de la compréhension, les scientifiques démêlent les rouages complexes de la nature. À partir de l’étude des domaines microscopiques des particules subatomiques, la science permet des percées dans la médecine, la technologie et d’innombrables autres domaines qui ont révolutionné la façon dont nous vivons, favorisant le progrès et améliorant la qualité de vie. Les artistes présentés dans cette collection rendent hommage à ces découvertes qui ont été faites grâce à l’esprit de collaboration qui anime la recherche scientifique, transcendant les frontières et les cultures pour le bien de tous. Grâce à leur utilisation des nouvelles technologies et des outils numériques, les artistes nous montrent que les limites de ce qui est possible continuent d'être repoussées chaque jour.