Dans un monde qui s’accélère, ces œuvres choisissent une autre voie : celle du ralenti, de l’infime, du presque immobile. Une fleur qui frémit, une silhouette en suspension, un paysage qui respire à peine… Ici, le numérique n’amplifie pas le tumulte : il crée un espace de calme, un temps parallèle. Ces créations contemplatives nous invitent à ralentir, à percevoir autrement le mouvement, à redécouvrir la beauté des transitions douces — développement, disparition, lévitation ou rotation délicate. Une esthétique de la lenteur, qui nous reconnecte à l’essentiel.

Cette collection explore le seuil fragile où corps, objets et êtres hybrides échappent au sol pour habiter un état de suspension. Défiant les lois de la gravité, ils dérivent entre ciel et terre, sans jamais appartenir totalement à l’un ni à l’autre. Dans cet entre-deux, la matérialité est remise en question : les formes s’allègent, deviennent incertaines, comme prêtes à disparaître ou à se transformer. Parfois l’expérience apaise, avec une sensation de libération, de poids qui s’envole. Parfois elle trouble, en éveillant l’instabilité, le vertige ou la peur de la chute.

Qu’elles demeurent immobiles, dans un équilibre précaire, ou qu’elles soient prises dans un mouvement subtil d’ascension ou de descente, ces entités habitent un mystérieux limbe. L’air devient alors une scène de tension et d’émerveillement, où la lévitation révèle à la fois la sérénité de la légèreté et l’inquiétude de la perte d’ancrage.

Cette collection d’œuvres explore les thèmes captivants du désir et de la sensualité. Grâce à l’utilisation de multiples techniques et compétences, les artistes explorent les subtilités du désir humain, créant des récits visuels qui évoquent la passion et la sensualité. Que ce soit par le jeu de la lumière et de l’ombre, les courbes gracieuses de la forme humaine ou la représentation intime de moments chargés de désir, ces œuvres invitent le spectateur à contempler la profondeur de l’émotion humaine. L’exploration du désir et de la sensualité dans l’art est un témoignage de la nature universelle de ces expériences humaines.

To The Moon est une collection d'œuvres d'art numérique qui explore les merveilles de l'espace, la lune et les intrépides astronautes qui se sont aventurés au-delà de notre planète. Chaque pièce de cette collection capture la majesté et la beauté impressionnante du cosmos grâce à des techniques variées telles que la 3D et le collage numérique. Bien qu'elles soient axées sur l'espace et la technologie, les œuvres d'art de la collection To The Moon véhiculent également un sentiment d'émerveillement et de respect pour l'univers. Elles nous rappellent les possibilités infinies qui existent au-delà de notre propre planète et nous incitent à rêver de ce qui se trouve au-delà.

Les fleurs sont un symbole et un thème aimé et reconnu par tous. Elles ont été le sujet principal des artistes et des mouvements depuis des siècles, et les artistes numériques ne font pas exception. À l'ère de l'art numérique, les fleurs sont réinterprétées par le biais de codes, de technologies 3D, de collages ou autres, afin d'explorer la manière dont elles occupent l'espace de nos vies, tant dans l'IRL que dans le métavers.

Les artistes saisissent la chaleur d’une tasse entre les mains, un geste qui réconforte le corps et l’esprit. Ils évoquent l’élan d’énergie qui nous aide à traverser la fatigue, ainsi que le calme d’un moment silencieux partagé avec une infusion. Entre rituels collectifs et pauses solitaires, ces œuvres montrent combien le thé et le café font partie de la vie de tous les jours.

Du petit déjeuner à la maison aux retrouvailles entre amis, le thé et le café relient les personnes à travers les cultures et les générations. Ils transforment de simples habitudes en instants de réconfort, d’énergie et de lien.

Dans ces œuvres, les artistes déforment et transforment le corps humain en utilisant diverses techniques et technologies. Le résultat est une production visuelle étrange et amusante qui parle de notre positionnement et de notre perspective dans le monde. Certains artistes abordent le sujet du corps humain avec humour et fantaisie - poussant le corps à ses limites avec la liberté qu'offre l'art numérique. D'autres abordent des sujets tels que le corps féminin et la représentation des femmes dans l'art et la technologie, ou les interactions - et même la fusion - de notre corps avec la technologie d'aujourd'hui.

Cette collection est centrée sur des œuvres qui prennent les rêves comme principale source d'inspiration. Que les artistes tentent de dépeindre visuellement ce à quoi un rêve pourrait ressembler ou se sentir, ou qu'ils créent leurs pièces à partir d'un rêve qu'ils ont fait, les possibilités infinies de l'art numérique se prêtent bien à la qualité éphémère et intangible d'un rêve.

Cette collection lumineuse célèbre les instants magiques du lever et du coucher du soleil — ces seuils suspendus entre le jour et la nuit. Depuis des siècles, les artistes sont fascinés par cet entre-deux, où la lumière change, les ombres s’étirent, et le temps semble s’échapper. Aujourd’hui, les artistes numériques réinterprètent ce thème intemporel à travers des outils comme la 3D, l’IA ou le collage, explorant la beauté cyclique de ces moments. Le lever du soleil évoque le renouveau. Le coucher invite à la contemplation. Ensemble, ils dessinent une boucle poétique — un doux rappel du rythme de la nature. Et vous, suivrez-vous la lumière ?

Armés de leur caméra, les photographes partent à la rencontre des possibles, au croisement entre paysages naturellement magnifiques et terrains imaginaires. Capturant des paysages de la même manière que les peintres utilisent leur toile pour fixer des images puissantes mais fugaces, les photographes orientent nos regards pour sublimer le réel. Explorant les possibilités infinies du numérique, certains artistes retravaillent parfois les couleurs et les images pour réinventer les paysages. D’autres appellent notre imagination à voir ses propres paysages dans des compositions colorées capturant les mouvement de peintures et de fluides, dans un souci du détail qui échapperait parfois à nos sens.

Il est devenu de plus en plus évident que notre planète a une date d’expiration. La seule solution est que l'humanité se rassemble et change sa façon de vivre et de traiter son environnement. La gestion des déchets et le recyclage ne sont plus un choix mais une nécessité. Grâce à l’utilisation d’outils numériques les artistes créent des environnements poignants, qui parlent à nos émotions afin de susciter un sentiment d'urgence. Leurs œuvres nous montrent à quoi ressemblerait notre monde si nous ne faisons rien ou imaginent des endroits où la nature est magnifiée parce que nous en avons pris soin. Ces oeuvres nous invitent à prendre des mesures immédiates pour régler les problèmes environnementaux avant qu’il ne soit trop tard. Le temps presse et les artistes sont là pour nous le rappeler.

Cette collection plonge au cœur de la nuit, là où les repères s’effacent et où chaque lumière devient un signal précieux. Entre visions urbaines, mentales et naturelles, les artistes explorent un monde en clair‑obscur, où l’ombre sculpte l’espace et révèle l’inattendu. Le ciel, immense ou fragmenté, guide le regard et dialogue avec les lumières humaines. Jeux d’échelle, perspectives inhabituelles, atmosphères tantôt lugubres, tantôt ouvertes aux possibles : la nuit devient ici un territoire d’exploration sensorielle et poétique.

Dans cette collection d’œuvres, les artistes s’inspirent de l’esthétique et des symboles du Japon pour créer des visions tantôt poétiques, tantôt contemporaines. Entre l’éclat éphémère des sakura, la majesté du mont Fuji, la grâce intemporelle des geishas et l’élégance des kimonos, chaque pièce réinvente les paysages et les traditions nippones. Les temples se parent de lumière, les ruelles de Kyoto se transforment en scènes oniriques, et les sushis eux‑mêmes deviennent motifs graphiques. Grâce aux outils du numérique - intelligence artificielle, 3D, collage - ces œuvres capturent l’essence du Japon tout en la faisant voyager au‑delà du réel

À l’ère numérique, tous les supports sont repensés pour embrasser les perspectives offertes par les nouveaux médias. Les artistes visuels comme les poètes transforment leurs créations en s’appuyant sur l’illustration animée, la 3D ou encore l’intelligence artificielle. Qu’ils utilisent l’IA pour créer des poèmes ou les illustrer, les artistes laissent place à leur imagination pour enrichir leur processus créatif en l’inscrivant dans l’état d’esprit de leur époque. Ces artistes visionnaires explorent les possibilités offertes par la croisée des médias, redéfinissant ainsi les codes de la composition poétique. Dans une fusion entre horizons poétiques et méditations introspectives, découvrez comment les artistes incorporent la poésie dans leurs créations numériques 3.0.

Les données sont le langage des ordinateurs, point de départ de procédés informatiques. À travers les algorithmes et les programmes, elles se transforment en une symphonie de zéros et de uns. Pour l'oeil néophyte, elles sont un objet invisible et mystérieux, cachées derrière des interfaces utilisateur complexes. Les artistes de cette collection nous révèlent alors l'envers du décor de l'art numérique en créant une méta-oeuvre où l'outil fusionne avec l'oeuvre elle-même, transformant ainsi des abstractions en représentations tangibles. Grâce à leur vision, les données prennent vie et se métamorphosent en véritables œuvres d'art.

L’exposition Tom Wesselmann présentée à l’hiver 2024-2025 à la Fondation Louis Vuitton célèbre le pop art, ce mouvement emblématique des années 1960 indissociable de la culture visuelle américaine. Rejetant les conventions traditionnelles de l’art, le pop art a redéfini les frontières de la création en rendant l’art indissociable de la vie quotidienne, intégrant des techniques industrielles, des matériaux préfabriqués et des objets issus de la consommation de masse. À travers des figures comme Andy Warhol et ses Campbell’s Soups ou Roy Lichtenstein et ses comics aux couleurs vibrantes, ce courant artistique a interrogé le statut de l’œuvre d’art tout en capturant l’esprit de son époque.
Cette question de la nature de l’œuvre d’art reste centrale aujourd’hui, notamment à travers l’art numérique, qui repousse les limites des processus créatifs grâce aux nouvelles technologies. Il n’y a donc rien de surprenant à voir l’art numérique se saisir de l’héritage du pop art, en adoptant des formes, couleurs et motifs souvent joyeux, parfois répétitifs, tout en s’inspirant des codes visuels de la grande distribution ou des objets du quotidien. Mais, à l’instar du pop art, derrière une apparente légèreté, ces œuvres interrogent également des problématiques plus profondes, comme notre rapport à la surconsommation ou l’omniprésence des technologies dans nos vies.
Ainsi, le pop art et l’art numérique dialoguent à travers les décennies, et nous aident à réinventer notre regard sur le monde contemporain.

À l’occasion de Movember, cette collection propose une réflexion visuelle sur la pluralité des masculinités. Le bleu, couleur emblématique de la campagne Movember, traverse l’ensemble comme un fil conducteur. Les œuvres abordent des thèmes tels que la solidarité, la sensibilisation à la santé mentale, ainsi que les états corporels, émotionnels et introspectifs qui, réunis, composent un portrait fluide de la masculinité.

Il n'est pas surprenant que la façon dont Internet a changé notre culture soit un sujet central pour de nombreux artistes numériques. Certains artistes adoptent une approche nostalgique des premières icônes et symboles de l'internet des années 1990 et du début des années 2000, tandis que d'autres s'intéressent à la puissance de la blockchain et à la manière dont elle façonne un nouveau marché de l'art numérique. Cette collection démontre les différentes méthodes et techniques par lesquelles les artistes explorent la culture internet. À travers l'art fait avec du code, en explorant le glitch, en faisant des références à la blockchain ou en explorant la façon dont nos vies et nos corps sont de plus en plus imbriqués dans la technologie, ces œuvres reviennent à l'essence de l'influence - bonne ou mauvaise - d'internet sur nos vies aujourd'hui.

L’art de la sculpture est avant tout une histoire de techniques. Modelage, taille, moulage, fonte, tirage, selon que l’on travaille la terre, le métal, le bois ou la pierre…

Mais en déplaçant la sculpture dans l’espace virtuel, les artistes ouvrent un nouveau monde de possibles. Tant la matière travaillée que les techniques employées pour ce faire s’affranchissent des considérations prosaïques de la réalité : la gravité, la température, la fragilité… et donnent libre cours à leur imagination pour créer des statues impossibles aux propriétés étranges, comme la malléabilité.

Pourtant, il ne faut pas croire à une rupture radicale avec l’histoire de la sculpture : on observe au contraire, chez nombre sculpteurs numériques, un intérêt renouvelé pour son passé et notamment pour la sculpture antique, qui ne cesse finalement d’inspirer les artistes, au fil des siècles.

Bien que numérique et innovations soient bien souvent associés, dans une démarche artistique particulière, certains artistes repensent les codes des médias plus traditionnels pour proposer des créations à la frontière entre mode et vintage. Dans une esthétique résolument vintage qui rappelle les journaux et magazines du siècle derniers, les artistes adoptent le numérique pour donner une seconde jeunesse aux archives et apporter une touche moderne, transformant les collages traditionnels en créations 3.0.

Transmettre un message nécessite parfois de viser droit au coeur. Les oeuvres Light and Fun ont toutes en commun un "je ne sais quoi" créatif, dynamique et agréable à observer. Quoi de mieux qu'un peu de légèreté pour découvrir l'univers d'un artiste tout en se sentant bien?

Pendant des siècles, la communauté LGBTQIA+ a été forcée de se cacher. Aujourd’hui, avec des événements annuels tels que la Pride, nous sommes de plus en plus en mesure de célébrer nos identités, et les personnes qui ne s’identifient pas aux normes hétérosexuelles et cisgenres peuvent se réunir pour créer un environnement sûr dans lequel évoluer et vivre. Mais le combat n’est pas terminé. Partout dans le monde, être queer est encore stigmatisé et les personnes qui font partie de cette communauté sont encore victimes de violences physiques et psychologiques. À travers leurs œuvres, les artistes partagent leurs réflexions sur l’identité et le genre tout en montrant les progrès réalisés. Soyons fiers du chemin parcouru et continuons à célébrer toutes les identités !

Cette collection invite à entrer dans un monde poétique où les teintes et les nuances sont délicates et appaisantes. Chaque œuvre permet de savourer la subtilité des dégradés et des textures. Dans l'univers des oeuvres Pastel, la douceur règne.

Cette collection met à l’honneur l’héritage culturel et architectural français, en écho aux Journées du patrimoine. Artistes, sculptures, jardins ou monuments historiques deviennent les points d’ancrage d’œuvres qui réinterprètent notre mémoire commune.

Les artistes convoquent le patrimoine sous des formes multiples : architectures réinventées, paysages façonnés par l’histoire, détails sculptés ou encore une évocation culinaire. Chaque œuvre porte en elle la trace d’un savoir-faire, d’une époque ou d’un lieu qui participe à l’identité française.

À travers ces visions, le patrimoine se fait matière à création contemporaine. Il ne s’agit pas seulement de contempler des vestiges du passé, mais de révéler leur résonance dans le présent et leur capacité à inspirer l’imaginaire des artistes du présent.

Le miracle de la science se présente comme un témoignage de la curiosité, de l’ingéniosité et de la persévérance humaines. Par la poursuite de la connaissance et de la compréhension, les scientifiques démêlent les rouages complexes de la nature. À partir de l’étude des domaines microscopiques des particules subatomiques, la science permet des percées dans la médecine, la technologie et d’innombrables autres domaines qui ont révolutionné la façon dont nous vivons, favorisant le progrès et améliorant la qualité de vie. Les artistes présentés dans cette collection rendent hommage à ces découvertes qui ont été faites grâce à l’esprit de collaboration qui anime la recherche scientifique, transcendant les frontières et les cultures pour le bien de tous. Grâce à leur utilisation des nouvelles technologies et des outils numériques, les artistes nous montrent que les limites de ce qui est possible continuent d'être repoussées chaque jour.

Dans cette collection au rythme effréné, les artistes se lancent dans une exploration vibrante de l'intersection entre les dynamiques du mouvement humain et la magie du numérique. Le sport nourrit non seulement notre bien-être physique, mais joue également un rôle crucial dans notre santé mentale, nous poussant à nous exprimer à travers notre corps, en redoublant d’efforts et de persévérance. Le sport est omniprésent dans nos vies, qu’il s’agisse d’une pratique personnelle ou d’une culture collective. Il n'est donc pas étonnant que les artistes s'emparent de ce sujet, capturant l'esprit du sport à travers leurs créations. Véritable vecteur d’émotion, le sport nous rassemble à travers de grands événements et tournois, nous inspirant à l’unité dans la compétition. Chaque artiste utilise la force du numérique pour représenter à sa façon l’esprit du sport dans des créations et insuffler de la vie dans le numérique.

Les champignons appartiennent à un royaume à part, distinct des plantes et des animaux, dont la portée dépasse largement la biologie. Les réseaux mycéliens incarnent l’interconnexion et l’échange, offrant une métaphore des réseaux, des communautés et des technologies inspirées de la nature. Les champignons, quant à eux, évoquent la transformation et la régénération, capables de faire naître la vie à partir de la décomposition.

Cette collection réunit des œuvres qui réinventent le monde fongique, des champignons délicats aux vastes réseaux mycéliens. Des formes iridescentes aux silhouettes quasi humaines, ces créations artistiques transforment les structures cachées et souvent négligées des réseaux fongiques en manifestations visibles.

En mettant en lumière ces structures invisibles, cette collection invite le public à repenser les notions de vie et de renouveau, de communication et d’interconnexion.

"Minimalist Marvels" est une collection soigneusement choisie qui explore la beauté de la simplicité et la puissance des objets singuliers. À l'ère numérique, où l'encombrement visuel submerge souvent nos sens, ces œuvres d'art témoignent de l'essence du minimalisme. Chaque pièce de cette collection capture un instant de pure clarté, où l'absence de détails complexes amplifie l'impact d'un objet solitaire.

En éliminant le superflu, les artistes nous encouragent à apprécier la pureté de la forme, l'élégance des lignes et l'harmonie des couleurs. Cette collection agit comme un sanctuaire, invitant les spectateurs à redécouvrir les merveilles qui existent dans le minimalisme, le subtil et le profondément élémentaire.``

Dans cette sélection d’œuvres, les artistes nous montrent l’avenir qui nous attend si nous ne faisons rien pour arrêter le changement climatique. Sécheresses, incendies, inondations, fontes des glaces... ces œuvres sont là pour nous rappeler que nos actions ont des conséquences et que nous ne pouvons pas continuer à vivre comme nous le faisons. Grâce aux outils numériques, les artistes nous immergent dans des visions qui ne sont pas loin d’un avenir probable. Avec leur imagination illimitée, ils nous apprennent à prendre soin de notre environnement afin que notre planète prospère pour de nombreuses générations à venir.

(Extra) Ordinary Journeys rassemble les œuvres d’artistes qui transforment des espaces ordinaires en portes d’entrée vers l'extraordinaire, brouillant les frontières entre le tangible et le numérique. En réinventant des espaces familiers, qu'il s'agisse de villes "glitch" ou de métros en 3D, ils nous invitent à explorer non seulement le transport physique, mais aussi les paysages intérieurs de nos pensées et de nos émotions lorsque nous nous promenons dans les rues. Grâce à un riche ensemble de techniques, dont le glitch art, la vidéo et le collage numérique, ces artistes offrent une nouvelle perspective sur les espaces publics, les transformant en portails de contemplation et d’émerveillement. Entrez dans cette collection et laissez-vous embarquer pour un voyage à travers les dimensions cachées de notre monde contemporain, et laissez votre imagination de se promener dans les espaces et les mouvements déformés.