Dans cette sélection d’œuvres, les artistes utilisent différents outils numériques pour célébrer le pouvoir de la communauté. À travers des animaux, des emojis ou des formes abstraites, l’idée d’être ensemble est amplifiée pour montrer que les humains sont des êtres sociaux et ont besoin des autres pour s'épanouir. Si nous unissons nos forces, nous serons plus forts et nous pourrons agir sur de nombreux enjeux, comme la préservation de notre planète, l’inclusion des minorités, le sport... Nous avons tous quelque chose à gagner à faire partie d’un groupe, alors rejoignez-nous pour un avenir meilleur!

L’exposition Tom Wesselmann présentée à l’hiver 2024-2025 à la Fondation Louis Vuitton célèbre le pop art, ce mouvement emblématique des années 1960 indissociable de la culture visuelle américaine. Rejetant les conventions traditionnelles de l’art, le pop art a redéfini les frontières de la création en rendant l’art indissociable de la vie quotidienne, intégrant des techniques industrielles, des matériaux préfabriqués et des objets issus de la consommation de masse. À travers des figures comme Andy Warhol et ses Campbell’s Soups ou Roy Lichtenstein et ses comics aux couleurs vibrantes, ce courant artistique a interrogé le statut de l’œuvre d’art tout en capturant l’esprit de son époque.
Cette question de la nature de l’œuvre d’art reste centrale aujourd’hui, notamment à travers l’art numérique, qui repousse les limites des processus créatifs grâce aux nouvelles technologies. Il n’y a donc rien de surprenant à voir l’art numérique se saisir de l’héritage du pop art, en adoptant des formes, couleurs et motifs souvent joyeux, parfois répétitifs, tout en s’inspirant des codes visuels de la grande distribution ou des objets du quotidien. Mais, à l’instar du pop art, derrière une apparente légèreté, ces œuvres interrogent également des problématiques plus profondes, comme notre rapport à la surconsommation ou l’omniprésence des technologies dans nos vies.
Ainsi, le pop art et l’art numérique dialoguent à travers les décennies, et nous aident à réinventer notre regard sur le monde contemporain.

Réellement éprouver la douleur d'une personne atteinte de cancer du sein est impossible. Pour autant, les œuvres de cette collection nous rappellent l'importance de la sensibilisation et du soutien qu'on peut apporter. À travers des couleurs puissantes et des choix esthétiques créatifs, les artistes expriment espoir, resilience et solidarité. Ce ne sont pas que des images mais réellement des voix du cœur qui nous invitent à rester unis, à chercher les premiers symptômes et à continuer de se battre pour un meilleur avenir.

Le bleu, c'est avant tout la couleur du ciel, puis de la mer où il se reflète. Il évoque l'infini et l'évasion, ouvrant une fenêtre sur des horizons lointains. On l'associe à la sérénité, à la mélancolie ou bien aux rêves. En somme, le bleu est inspirant, incitant à la contemplation et à l'introspection. Couleur loin de la chaleur des corps et du monde matériel, les oeuvres de la collection Blue invitent à une balade mentale, un voyage intérieur où l'esprit peut se perdre et se retrouver.

• La Ville Nocturne vous plonge dans le rythme vibrant de la ville lorsque le soleil se couche et que les rues s'éveillent sous les lumières artificielles. Dans cette collection, les artistes capturent l'atmosphère des environnements urbains, où le mouvement, la lumière et l'ombre s'entremêlent et forment un portrait intime de la nuit. L'environnement urbain n'est pas seulement une toile de fond, c'est une entité vivante en mouvement qui peut être à la fois énigmatique, paisible, nostalgique ou même énergisante. Embarquez pour un voyage visuel à travers la ville et découvrez la beauté cachée d'un monde qui prospère dans l'obscurité.

La spirale est un des plus anciens motifs décoratifs au monde, et elle a figuré au répertoire visuel de la plupart des cultures humaines. Logique, puisqu’elle incarne l’une des préoccupations ancestrales de l’homme, à savoir le principe de l’infini. L’art numérique l’emmène dans une nouvelle dimension : grâce à une boucle vidéo parfaitement exécutée, on peut faire tournoyer une spirale véritablement à l’infini. Un algorithme génératif permettra quant à lui de faire la évoluer en continu : un mouvement cyclique, mais dont les caractéristiques visuelles se transforment continuellement.

Les outils numériques permettent donc aux artistes de réinventer ce motif emblématique. Les uns en font un engrenage infernal qui traduit l’angoisse de l’infini, les autres l’utilisent pour créer un visuel paisible et parfait à l’effet ASMR, tandis que certains utilisent son dynamisme pour transmettre une puissante énergie dans des œuvres colorées, voire psychédéliques. Les uns enfin jouent de sa géométrie, tandis que d’autres encore la réintroduisent dans le monde naturel, où elle a existé bien avant que la créativité humaine ne s’en empare…

Les données sont le langage des ordinateurs, point de départ de procédés informatiques. À travers les algorithmes et les programmes, elles se transforment en une symphonie de zéros et de uns. Pour l'oeil néophyte, elles sont un objet invisible et mystérieux, cachées derrière des interfaces utilisateur complexes. Les artistes de cette collection nous révèlent alors l'envers du décor de l'art numérique en créant une méta-oeuvre où l'outil fusionne avec l'oeuvre elle-même, transformant ainsi des abstractions en représentations tangibles. Grâce à leur vision, les données prennent vie et se métamorphosent en véritables œuvres d'art.

Dans cette sélection d’œuvres, les artistes nous montrent l’avenir qui nous attend si nous ne faisons rien pour arrêter le changement climatique. Sécheresses, incendies, inondations, fontes des glaces... ces œuvres sont là pour nous rappeler que nos actions ont des conséquences et que nous ne pouvons pas continuer à vivre comme nous le faisons. Grâce aux outils numériques, les artistes nous immergent dans des visions qui ne sont pas loin d’un avenir probable. Avec leur imagination illimitée, ils nous apprennent à prendre soin de notre environnement afin que notre planète prospère pour de nombreuses générations à venir.

Cette collection se déploie autour des éclats de lumière — scintillements, reflets, étincelles — qui transforment le regard et transfigurent l’ordinaire. Des paillettes qui soulignent un détail à la surface miroitante de l’eau au coucher du soleil, des confettis en suspension aux reflets mouvants des diamants, chaque œuvre joue avec l’illusion d’un monde où la lumière devient matière.

Entre magie et réalité, ces éclats convoquent à la fois le merveilleux des feux d’artifice et la fragilité des souvenirs, comme si chaque reflet portait en lui un fragment de rêve. À l’image des « étincelles fugitives » de Baudelaire ou des visions étincelantes chères à Proust, la brillance n’est pas qu’un ornement : elle est une expérience sensorielle totale.

Ici, la lumière n’éblouit pas seulement, elle guide l’œil vers l’extraordinaire, révélant que dans chaque scintillement se cache un passage vers l’imaginaire.

Les fleurs sont un symbole et un thème aimé et reconnu par tous. Elles ont été le sujet principal des artistes et des mouvements depuis des siècles, et les artistes numériques ne font pas exception. À l'ère de l'art numérique, les fleurs sont réinterprétées par le biais de codes, de technologies 3D, de collages ou autres, afin d'explorer la manière dont elles occupent l'espace de nos vies, tant dans l'IRL que dans le métavers.

Le lien entre le cinéma et l’art numérique est un jeu fascinant, comme présenté dans cette sélection d’œuvres. Les deux médiums partagent un objectif commun d’expression artistique, de narration et d’exploration des émotions humaines. Au début du cinéma, les cinéastes s’inspiraient de l’esthétique visuelle de la vie quotidienne, incorporant des éléments de composition, de couleur et de symbolisme dans leur travail, comme le font encore aujourd’hui les artistes contemporains. Les cinéastes contemporains collaborent souvent avec des artistes visuels, fusionnant leurs talents pour produire des films visuellement riches. Ces liens entre les deux disciplines restent une relation dynamique, où chaque médium continue d’inspirer et d’informer l’autre.

La qualité immersive et émotionnelle de l'art numérique, associée à sa capacité à dépeindre des visions du monde qui ne peuvent être vécues dans la réalité, constitue déjà une forme d'évasion pour de nombreux spectateurs. À travers le prisme du voyage, les artistes peuvent créer des scénarios et des mondes qui permettent aux spectateurs d'échapper au quotidien et de se plonger dans une nouvelle aventure.

L’art de la sculpture est avant tout une histoire de techniques. Modelage, taille, moulage, fonte, tirage, selon que l’on travaille la terre, le métal, le bois ou la pierre…

Mais en déplaçant la sculpture dans l’espace virtuel, les artistes ouvrent un nouveau monde de possibles. Tant la matière travaillée que les techniques employées pour ce faire s’affranchissent des considérations prosaïques de la réalité : la gravité, la température, la fragilité… et donnent libre cours à leur imagination pour créer des statues impossibles aux propriétés étranges, comme la malléabilité.

Pourtant, il ne faut pas croire à une rupture radicale avec l’histoire de la sculpture : on observe au contraire, chez nombre sculpteurs numériques, un intérêt renouvelé pour son passé et notamment pour la sculpture antique, qui ne cesse finalement d’inspirer les artistes, au fil des siècles.

À l’ère numérique, tous les supports sont repensés pour embrasser les perspectives offertes par les nouveaux médias. Les artistes visuels comme les poètes transforment leurs créations en s’appuyant sur l’illustration animée, la 3D ou encore l’intelligence artificielle. Qu’ils utilisent l’IA pour créer des poèmes ou les illustrer, les artistes laissent place à leur imagination pour enrichir leur processus créatif en l’inscrivant dans l’état d’esprit de leur époque. Ces artistes visionnaires explorent les possibilités offertes par la croisée des médias, redéfinissant ainsi les codes de la composition poétique. Dans une fusion entre horizons poétiques et méditations introspectives, découvrez comment les artistes incorporent la poésie dans leurs créations numériques 3.0.

Couleurs Primaires est une collection qui s'inspire de la palette fondamentale du bleu, du jaune et du rouge, offrant une vision nouvelle de l'esthétique moderniste. De nombreux artistes de renommée mondiale, tels que Piet Mondrian, Yves Klein ou Keith Haring, ont fait de cette palette une référence visuelle universelle, rendant ainsi cette collection haute en couleur, intemporelle et ludique. Cette collection présente des œuvres d'art combinant les trois couleurs primaires, tandis que d'autres se concentrent sur une ou deux d'entre elles, créant ainsi un langage visuel dynamique et attrayant. Des contrastes audacieux aux harmonies subtiles, Couleurs Primaires explore la résonance esthétique de ces teintes emblématiques.

Explorez les profondeurs de la forêt dans cette riche collection d'œuvres d'art. Grâce à différentes techniques, nos artistes jouent avec la perspective, la profondeur et imaginent même des interprétations surréalistes de ce qu'est une forêt dans cette collection d'œuvres. La forêt, souvent énigmatique et lieu de folklore, se voit ici conférer une couche supplémentaire de magie ou de mystère grâce à des outils numériques tels que l'intelligence artificielle, la 3D, l'AR et le collage. Oserez-vous pénétrer dans les profondeurs de la forêt ?

Avant que le virtuel ne prenne le dessus, c’est le mécanique qui dominait. Autrefois symbole ultime de modernité, la mécanique incarnait les espoirs de l’ère industrielle : précision, contrôle, maîtrise de la matière. Elle marquait une première rupture avec notre nature organique — totalement détachée des rythmes fluides, imprécis et imprévisibles du vivant. Mais aujourd’hui, dans un monde dématérialisé où les algorithmes façonnent le réel et où tout tend vers l’intangible et le virtuel, la mécanique prend des allures de rétrofuturisme. Elle n’est plus synonyme d’avenir, sans pour autant appartenir tout à fait au passé.

La mécanique occupe désormais un entre-deux étrange : étrangère au numérique, détachée du biologique. Ni vivante, ni immatérielle, elle déploie un imaginaire visuel qui lui est propre — froid, tangible, rigoureusement précis. Et c’est précisément cette altérité, ce détachement à la fois du vivant et du code, qui fascine à nouveau les artistes contemporains. Dans cette collection, ils réexplorent et réinventent le langage esthétique des boucles, des engrenages et du mouvement perpétuel. Que reste-t-il de la machine quand sa fonction industrielle s’efface — lorsqu’elle cesse d’incarner le progrès et devient un pur objet de contemplation ?

C’est indéniable : la technologie blockchain et les NFT ont construit, pour la première fois, un marché viable pour l’art numérique, conférant rareté et valeur aux œuvres numériques qui, autrement, sont reproductibles. L’association de l’art numérique aux NFT a donné naissance au « Web3 », la nouvelle génération Internet où ce que nous consommons en ligne peut non seulement être lu, mais aussi possédé de manière décentralisée sur la blockchain. Le Web3 a abouti à une sous-culture unique sur Internet, qui valorise la liberté, la décentralisation et une communauté soudée. Cependant, Les NFT et les cryptomonnaies sont également connus pour les escroqueries innombrables et les schémas pyramidaux. Les artistes numériques n’hésitent pas à explorer ces deux extrémités. En fait, dans leur travail, ils explorent les facettes diverses et contradictoires de Web3, l’utilisant comme sujet principal pour envisager un avenir prometteur pour un Internet et une société plus équitables d’une part, ou un travail futuriste dystopique où la cupidité et la corruption dominent.

Les artistes de cette collection jouent avec les visages. Que ce soit pour les sublimer, les déformer ou bien les réinventer, le visage est le premier vecteur d'émotion chez l'humain. Les palettes numériques qui leur sont appliquées permettent d'explorer et d'amplifier cette expressivité, transformant chaque visage en une œuvre d'art unique et captivante.

N'avez-vous jamais eu envie d'assister à une fête avec un pingouin ou de recevoir une pluie de cœurs et d'étoiles aux couleurs de l'arc-en-ciel ? Inspirées du pop art, du street art, des couleurs vives et de la célébration de la vie, ces œuvres sont une bouffée d'air frais et un moment de joie dans notre vie quotidienne. Ces œuvres peuvent être appréciées à l'occasion d'un jour particulier - un anniversaire, le début d'une nouvelle année - mais peuvent aussi être appréciées au quotidien comme un encouragement à voir la positivité et l'enjouement dans la vie.

En noir et blanc comme des photographies vintage… et pourtant, un côté résolument contemporain habite les créations des artistes numériques. S’exprimant à travers des techniques diverses, allant de la 3D à l’art génératif, certains artistes font cependant palette commune pour ne s’en tenir qu’à deux couleurs : le noir et le blanc. Un retour à une simplicité dualiste, un même motif intrinsèque, mais libre d’interprétation. S’il peut s’agir d’une réflexion à l’omniprésence des couleurs et des messages, on peut aussi voir dans ces compositions monochromes une opposition intemporelle. Le noir et le blanc comme la confrontation, l’altérité, le contraste, dans un manichéisme porteur de sens et d’émotion.

Cette collection célèbre la montagne dans toute sa splendeur, en dévoilant ses multiples visages au fil des saisons. En hiver, ses crêtes enneigées rayonnent d’un silence cristallin ; en été, ses prairies et ses forêts s’épanouissent en couleurs vibrantes. Entre immobilité glacée et abondance fertile, la montagne se fait à la fois scène de drame naturel et sanctuaire de solitude. Les œuvres mettent en lumière le jeu des reflets qui façonnent ces reliefs : éclats éblouissants des glaciers, lueurs dorées de l’aube, ombres profondes qui sculptent l’espace et accentuent le vertige. Elles révèlent aussi la richesse de la biodiversité qui prospère dans cet environnement exigeant, où chaque fleur, chaque arbre, chaque créature témoigne de résilience et d’adaptation.

Majestueuse et indomptée, la montagne incarne à la fois la grandeur et l’intimité. À travers ces visions artistiques, elle apparaît non seulement comme un paysage à contempler mais aussi comme un monde à éprouver — une invitation à la découverte, à la rêverie et à l’humilité face à la nature.

Dans les temps anciens, les Grecs vénéraient le feu comme un élément divin et avaient la tradition de maintenir un feu perpétuellement allumé devant les temples importants. C'était le cas au sanctuaire d’Olympie, où se déroulaient les Jeux Olympiques de l’Antiquité. Une flamme vacillait continuellement sur l’autel dédié à la déesse Hestia, tandis que des feux étaient aussi allumés sur les autels de Zeus et d’Héra. De nos jours, la pureté de la flamme olympique dans les Jeux modernes est maintenue. Il continue d’incarner l’idéal de paix et d’unité entre les nations et sert de héraut pour les prochains Jeux.

Le jeu vidéo est-il une sous-catégorie de l'art numérique ? Difficile de ne pas le penser... Les jeux vidéo existent principalement par le domaine numérique, utilisant les mêmes outils, plateformes et technologies pour créer des expériences immersives. Les concepteurs et développeurs de jeux vidéo travaillent ensemble pour créer des mondes, des personnages et des expériences, à la manière de cinéastes ou de peintres. Les jeux vidéo pourraient même avoir une longueur d'avance sur l'art numérique car ils sont, par essence, interactifs.

L'art numérique a souvent été confiné à une niche dans le monde de l'art international. Dans cette collection, les artistes numériques s'inspirent de l'histoire de l'art, soit en réinterprétant des chefs-d'œuvre de la Renaissance et de l'époque classique, soit en réimaginant ce à quoi pourrait ressembler le white cube d'une galerie à l'ère du numérique. Ce faisant, les artistes numériques réinterprètent la manière dont nous construisons et lisons l'histoire de l'art, mais revendiquent également leur place dans le canon de l'art.

Road Trip vous invite à ressentir l'aventure du voyage sur route — là où les moteurs ronronnent et où chaque kilomètre révèle une nouvelle découverte. Cette collection capture l’essence du mouvement, de la liberté et de l’aventure à des visuels dynamiques. Ici, les artistes explorent aussi bien la cartographie urbaine structurée que l’élan spontané de l’évasion. C’est une célébration de la route, non pas comme simple trajet, mais comme état d’esprit, esthétique, récit en mouvement. Plongez dans un univers où le plaisir rime avec liberté, et laissez le voyage redéfinir la destination.

Dans cette collection au rythme effréné, les artistes se lancent dans une exploration vibrante de l'intersection entre les dynamiques du mouvement humain et la magie du numérique. Le sport nourrit non seulement notre bien-être physique, mais joue également un rôle crucial dans notre santé mentale, nous poussant à nous exprimer à travers notre corps, en redoublant d’efforts et de persévérance. Le sport est omniprésent dans nos vies, qu’il s’agisse d’une pratique personnelle ou d’une culture collective. Il n'est donc pas étonnant que les artistes s'emparent de ce sujet, capturant l'esprit du sport à travers leurs créations. Véritable vecteur d’émotion, le sport nous rassemble à travers de grands événements et tournois, nous inspirant à l’unité dans la compétition. Chaque artiste utilise la force du numérique pour représenter à sa façon l’esprit du sport dans des créations et insuffler de la vie dans le numérique.

Cette collection dévoile l’univers envoûtant des papillons, ces messagers de lumière et de transformation. À travers ces œuvres, les ailes délicates deviennent des prismes où se brisent les éclats du soleil, des reflets irisés qui captent l’éphémère et le sublime. Chaque œuvre révèle la poésie discrète de ces créatures : leurs couleurs vibrantes évoquent la résilience d’une nature toujours en mouvement.

Les papillons se font guides, traversant des forêts de rêves et des jardins oniriques. Ils incarnent la dualité de la nature : à la fois fragile et indomptable, intime et majestueuse. Cette collection est une ode à la métamorphose, une célébration de la beauté qui naît de la brève rencontre entre la terre et le ciel.

Qu'y a-t-il vraiment dans les profondeurs de l'océan ? Les eaux de notre planète ont été la source de beaucoup de curiosité et de mystère depuis l'aube de l'histoire de l'humanité, donnant lieu à des histoires et des mythologies riches à travers le temps et les cultures. Dans cette collection, nos artistes se penchent eux-mêmes sur le sujet, réinterprétant et imaginant des mondes sous-marins dans leur propre style. Qu'il s'agisse de crypto-poissons vivant nativement sur OpenSea, de captations vidéo réelles de la vie sous-marine microscopique, ou encore de la remise en question de nos propres relations humaines avec l'eau, cette collection présente de multiples expériences et façons d'interagir avec l'entité sublime qu'est l'océan.

Le design a souvent entretenu des liens étroits avec les beaux-arts. Dans l'art numérique, où de nombreux artistes commencent leur carrière en tant que graphistes ou concepteurs de sites Web, le lien entre les deux semble plus étroit que jamais. Dans cette collection, les artistes explorent les espaces intérieurs dans le contexte du design et des beaux-arts. En utilisant l'IA, la technologie 3D ou même le collage, chaque artiste aborde le design d'intérieur d'une manière différente, qu'il s'agisse de construire un espace onirique hyperréaliste ou d'interpréter un intérieur dans le métavers.