La nature morte, utilisée à travers les siècles dans l'histoire de l'art comme un genre clé, prend vie grâce à l'imagination et aux outils des artistes numériques. Grâce à des techniques telles que la 3D, la vidéo, le mapping, le slit scan, la photogrammétrie et d'autres encore, ce genre artistique omniprésent prend un nouveau sens, la "nature morte" étant animée et rajeunie par l'art numérique. Dans ces œuvres, le spectateur est en mesure de regarder profondément chaque objet exposé, de prendre plaisir à l'attention portée aux détails par nos artistes et de permettre aux scènes apaisantes d'embellir sa journée.

L’art se mêle à nos méditations les plus profondes pour nous accompagner dans un voyage vers la découverte de notre paix intérieure. Si les vertus thérapeutiques de l’art sont bien connues, celles-ci se démultiplient grâce à l’exploration des nouveaux médias par les artistes, qui façonnent de nouvelles expériences sensorielles uniques. Captivantes et relaxantes, les œuvres présentées dans cette collection jouent avec les motifs et les textures, dans des animations parfois kaléidoscopiques et psychédéliques. Les artistes nous plongent dans des univers reposants, aux frontières de l’imaginaire et du réel, pour nous offrir un moment d’évasion dans une contemplation artistique méditative.

Cette période de l’année où les feuilles jaunes, rares ou inexistantes, pendent finement sur les branches, peignant le monde dans les teintes chaudes d’un coucher de soleil. Ces moments fugaces de l’automne touchent nos cœurs par leur beauté et leur réflexion tranquille. Les artistes de cette collection partagent un lien profond avec cette saison, trouvant l’inspiration dans les dégradés subtils d'orange, la délicate chute des feuilles et la nostalgie de fin d'été. En cette saison où la nature elle-même nous enseigne l'art de la métamorphose, Murmures d'automne nous guide vers une contemplation sereine du passage du temps. Entre ce qui s'efface et ce qui s'annonce, elle nous rappelle que tout changement est une invitation à renouveler notre regard.

Le jeu vidéo est-il une sous-catégorie de l'art numérique ? Difficile de ne pas le penser... Les jeux vidéo existent principalement par le domaine numérique, utilisant les mêmes outils, plateformes et technologies pour créer des expériences immersives. Les concepteurs et développeurs de jeux vidéo travaillent ensemble pour créer des mondes, des personnages et des expériences, à la manière de cinéastes ou de peintres. Les jeux vidéo pourraient même avoir une longueur d'avance sur l'art numérique car ils sont, par essence, interactifs.

Les champignons appartiennent à un royaume à part, distinct des plantes et des animaux, dont la portée dépasse largement la biologie. Les réseaux mycéliens incarnent l’interconnexion et l’échange, offrant une métaphore des réseaux, des communautés et des technologies inspirées de la nature. Les champignons, quant à eux, évoquent la transformation et la régénération, capables de faire naître la vie à partir de la décomposition.

Cette collection réunit des œuvres qui réinventent le monde fongique, des champignons délicats aux vastes réseaux mycéliens. Des formes iridescentes aux silhouettes quasi humaines, ces créations artistiques transforment les structures cachées et souvent négligées des réseaux fongiques en manifestations visibles.

En mettant en lumière ces structures invisibles, cette collection invite le public à repenser les notions de vie et de renouveau, de communication et d’interconnexion.

Dans cette sélection d’œuvres, les artistes utilisent différents outils numériques pour célébrer le pouvoir de la communauté. À travers des animaux, des emojis ou des formes abstraites, l’idée d’être ensemble est amplifiée pour montrer que les humains sont des êtres sociaux et ont besoin des autres pour s'épanouir. Si nous unissons nos forces, nous serons plus forts et nous pourrons agir sur de nombreux enjeux, comme la préservation de notre planète, l’inclusion des minorités, le sport... Nous avons tous quelque chose à gagner à faire partie d’un groupe, alors rejoignez-nous pour un avenir meilleur!

Road Trip vous invite à ressentir l'aventure du voyage sur route — là où les moteurs ronronnent et où chaque kilomètre révèle une nouvelle découverte. Cette collection capture l’essence du mouvement, de la liberté et de l’aventure à des visuels dynamiques. Ici, les artistes explorent aussi bien la cartographie urbaine structurée que l’élan spontané de l’évasion. C’est une célébration de la route, non pas comme simple trajet, mais comme état d’esprit, esthétique, récit en mouvement. Plongez dans un univers où le plaisir rime avec liberté, et laissez le voyage redéfinir la destination.

La rue, fondement de l'espace urbain, rassemble et constitue un terrain fertile pour une grande diversité d'expressions artistiques. Historiquement, la culture de la rue est surtout celle des contre-cultures, révoltes et de mouvements marginalisés. Mais parler de la rue est également un moyen de s'addresser à tout le monde: mêmes les plus sédentaires doivent se déplacer en arpentant les rues. Rencontres, échanges ou simples trajets: la rue est le lieu de la civilisation et donc de l'Humain par excellence.

Il est devenu de plus en plus évident que notre planète a une date d’expiration. La seule solution est que l'humanité se rassemble et change sa façon de vivre et de traiter son environnement. La gestion des déchets et le recyclage ne sont plus un choix mais une nécessité. Grâce à l’utilisation d’outils numériques les artistes créent des environnements poignants, qui parlent à nos émotions afin de susciter un sentiment d'urgence. Leurs œuvres nous montrent à quoi ressemblerait notre monde si nous ne faisons rien ou imaginent des endroits où la nature est magnifiée parce que nous en avons pris soin. Ces oeuvres nous invitent à prendre des mesures immédiates pour régler les problèmes environnementaux avant qu’il ne soit trop tard. Le temps presse et les artistes sont là pour nous le rappeler.

À l’ère numérique, tous les supports sont repensés pour embrasser les perspectives offertes par les nouveaux médias. Les artistes visuels comme les poètes transforment leurs créations en s’appuyant sur l’illustration animée, la 3D ou encore l’intelligence artificielle. Qu’ils utilisent l’IA pour créer des poèmes ou les illustrer, les artistes laissent place à leur imagination pour enrichir leur processus créatif en l’inscrivant dans l’état d’esprit de leur époque. Ces artistes visionnaires explorent les possibilités offertes par la croisée des médias, redéfinissant ainsi les codes de la composition poétique. Dans une fusion entre horizons poétiques et méditations introspectives, découvrez comment les artistes incorporent la poésie dans leurs créations numériques 3.0.

Cette délicieuse collection d'œuvres se délecte de tout ce qui est gourmand. Nos artistes explorent le thème de la nourriture avec joie et espièglerie, donnant lieu à des œuvres colorées et fantaisistes. Grâce à des techniques telles que le collage numérique, les logiciels 3D, ou encore la vidéo et les montages post-production, cette sélection d'œuvres alléchantes démontre la diversité des techniques pouvant être utilisées dans l'art numérique d'une manière qui vous laissera certainement sur votre faim et vous donnera envie de vous resservir.

Explorez les profondeurs de la forêt dans cette riche collection d'œuvres d'art. Grâce à différentes techniques, nos artistes jouent avec la perspective, la profondeur et imaginent même des interprétations surréalistes de ce qu'est une forêt dans cette collection d'œuvres. La forêt, souvent énigmatique et lieu de folklore, se voit ici conférer une couche supplémentaire de magie ou de mystère grâce à des outils numériques tels que l'intelligence artificielle, la 3D, l'AR et le collage. Oserez-vous pénétrer dans les profondeurs de la forêt ?

L’exposition Tom Wesselmann présentée à l’hiver 2024-2025 à la Fondation Louis Vuitton célèbre le pop art, ce mouvement emblématique des années 1960 indissociable de la culture visuelle américaine. Rejetant les conventions traditionnelles de l’art, le pop art a redéfini les frontières de la création en rendant l’art indissociable de la vie quotidienne, intégrant des techniques industrielles, des matériaux préfabriqués et des objets issus de la consommation de masse. À travers des figures comme Andy Warhol et ses Campbell’s Soups ou Roy Lichtenstein et ses comics aux couleurs vibrantes, ce courant artistique a interrogé le statut de l’œuvre d’art tout en capturant l’esprit de son époque.
Cette question de la nature de l’œuvre d’art reste centrale aujourd’hui, notamment à travers l’art numérique, qui repousse les limites des processus créatifs grâce aux nouvelles technologies. Il n’y a donc rien de surprenant à voir l’art numérique se saisir de l’héritage du pop art, en adoptant des formes, couleurs et motifs souvent joyeux, parfois répétitifs, tout en s’inspirant des codes visuels de la grande distribution ou des objets du quotidien. Mais, à l’instar du pop art, derrière une apparente légèreté, ces œuvres interrogent également des problématiques plus profondes, comme notre rapport à la surconsommation ou l’omniprésence des technologies dans nos vies.
Ainsi, le pop art et l’art numérique dialoguent à travers les décennies, et nous aident à réinventer notre regard sur le monde contemporain.

Cette collection plonge dans un sujet rythmé : la danse, une forme d’art intemporelle qui transcende les frontières et nous entraîne dans un voyage au-delà de nous-mêmes. Par la fusion ingénieuse de la danse, de la musique et de la technologie, les artistes numériques créent des effets visuels envoûtants qui défient les limites du corps humain. Du glitch art aux visuels interactifs, ils explorent le potentiel illimité des nouvelles technologies, amplifiant les émotions évoquées par le mouvement humain. Expérimentant les couleurs et les textures, les artistes permettent aux algorithmes de devenir co-chorégraphes, brouillant les lignes entre réalité et imagination. Faisons l’expérience du pouvoir de la danse à travers le prisme de l’ère numérique !

Cette collection change d’échelle, nous rapprochant toujours plus jusqu’à pénétrer dans le domaine du minuscule. Ici, les insectes, fragiles, vibrants et insaisissables, deviennent les figures centrales.

Les artistes les explorent sous des registres variés : parfois fidèlement observés, presque scientifiques, d’autres fois réinventés à travers l’animation, l’abstraction ou la fantaisie. Scarabées, papillons, fourmis ou libellules apparaissent magnifiés, révélant des structures, des couleurs et des mouvements qui échappent habituellement à l’œil humain.

En réduisant l’échelle, ces œuvres nous invitent dans un univers parallèle où l’infiniment petit devient monumental. Entre fascination et étrangeté, ces visions inspirées des insectes rappellent la beauté cachée, la complexité et le mystère contenus dans les formes de vie les plus modestes.

Le bleu, c'est avant tout la couleur du ciel, puis de la mer où il se reflète. Il évoque l'infini et l'évasion, ouvrant une fenêtre sur des horizons lointains. On l'associe à la sérénité, à la mélancolie ou bien aux rêves. En somme, le bleu est inspirant, incitant à la contemplation et à l'introspection. Couleur loin de la chaleur des corps et du monde matériel, les oeuvres de la collection Blue invitent à une balade mentale, un voyage intérieur où l'esprit peut se perdre et se retrouver.

Dans les temps anciens, les Grecs vénéraient le feu comme un élément divin et avaient la tradition de maintenir un feu perpétuellement allumé devant les temples importants. C'était le cas au sanctuaire d’Olympie, où se déroulaient les Jeux Olympiques de l’Antiquité. Une flamme vacillait continuellement sur l’autel dédié à la déesse Hestia, tandis que des feux étaient aussi allumés sur les autels de Zeus et d’Héra. De nos jours, la pureté de la flamme olympique dans les Jeux modernes est maintenue. Il continue d’incarner l’idéal de paix et d’unité entre les nations et sert de héraut pour les prochains Jeux.

Cette collection célèbre la montagne dans toute sa splendeur, en dévoilant ses multiples visages au fil des saisons. En hiver, ses crêtes enneigées rayonnent d’un silence cristallin ; en été, ses prairies et ses forêts s’épanouissent en couleurs vibrantes. Entre immobilité glacée et abondance fertile, la montagne se fait à la fois scène de drame naturel et sanctuaire de solitude. Les œuvres mettent en lumière le jeu des reflets qui façonnent ces reliefs : éclats éblouissants des glaciers, lueurs dorées de l’aube, ombres profondes qui sculptent l’espace et accentuent le vertige. Elles révèlent aussi la richesse de la biodiversité qui prospère dans cet environnement exigeant, où chaque fleur, chaque arbre, chaque créature témoigne de résilience et d’adaptation.

Majestueuse et indomptée, la montagne incarne à la fois la grandeur et l’intimité. À travers ces visions artistiques, elle apparaît non seulement comme un paysage à contempler mais aussi comme un monde à éprouver — une invitation à la découverte, à la rêverie et à l’humilité face à la nature.

Transmettre un message nécessite parfois de viser droit au coeur. Les oeuvres Light and Fun ont toutes en commun un "je ne sais quoi" créatif, dynamique et agréable à observer. Quoi de mieux qu'un peu de légèreté pour découvrir l'univers d'un artiste tout en se sentant bien?

En ce qui concerne l'art créé par intelligence artificielle, qui est le véritable créateur, l'artiste ou la machine ? Alors que l’IA s'immisce peu à peu dans notre vie quotidienne, les artistes numériques ont également abordé le sujet des frontières entre les humains et les machines à travers leurs créations. Pour certains artistes, l'IA constitue un nouvel outil d'expérimentation permettant de repousser toujours plus loin les limites de la création. D’autres artistes s’attardent à montrer le pouvoir esthétique de la machine : un code informatique une fois détourné de sa fonction pratique peut-il nous déclencher des émotions ?

On dit souvent que les possibilités sont infinies dans l'art numérique. On voit donc fréquemment des artistes plonger dans les profondeurs de leur imagination, de leur subconscient ou de leurs rêves pour créer des mondes fantastiques et surréalistes qui transportent le spectateur dans un autre univers. Dans cette sélection, on rencontre des champignons de la taille d'un arbre, des fleurs de l'espace, des roches flottantes au néon et des paysages nés de l'imagination de l'intelligence artificielle. À travers la 3D, le code et le collage numérique, ces artistes permettent au spectateur de plonger dans ses propres rêves et son subconscient et encouragent une créativité sans limites.

Dans cette sélection d’œuvres, les artistes nous montrent l’avenir qui nous attend si nous ne faisons rien pour arrêter le changement climatique. Sécheresses, incendies, inondations, fontes des glaces... ces œuvres sont là pour nous rappeler que nos actions ont des conséquences et que nous ne pouvons pas continuer à vivre comme nous le faisons. Grâce aux outils numériques, les artistes nous immergent dans des visions qui ne sont pas loin d’un avenir probable. Avec leur imagination illimitée, ils nous apprennent à prendre soin de notre environnement afin que notre planète prospère pour de nombreuses générations à venir.

Cette collection invite à entrer dans un monde poétique où les teintes et les nuances sont délicates et appaisantes. Chaque œuvre permet de savourer la subtilité des dégradés et des textures. Dans l'univers des oeuvres Pastel, la douceur règne.

Plongez dans le monde de la Robotique, avec une collection dans laquelle les artistes explorent la relation complexe entre les humains et les machines. Abordant la conscience collective, remettant en question notre compréhension de ce que signifie être humain face aux progrès technologiques rapides, les artistes mettent en perspective l’essence même de notre humanité. L’expérience humaine est-elle reproductible, imitable, voire remplaçable ? Où se situe la limite entre ce qui est organique et ce qui est synthétique ? Alors que les artistes nous confrontent à la possibilité de créer des humains augmentés, ils nous poussent à nous demander si la robotique améliore ou diminue notre existence. La technologie nous rend-elle meilleurs ou pires? Devrions-nous craindre la montée de la robotique, ou devrions-nous saisir les opportunités qu’elle offre? Pouvons-nous créer quelque chose de vivant, quelque chose d’humain, à partir de machines, à mesure que la technologie évolue? Dans ces œuvres, les artistes abordent ces différentes questions et offrent des réponses, liant leurs pratiques aux enjeux les plus contemporains.

Les mathématiques structurent le monde qui nous entoure, et l’art n’y échappe pas, derrière chaque forme et chaque équilibre visuel opèrent les mêmes lois que celles qui régissent la nature, l’architecture ou le vivant. Symétrie, kaléidoscopie, fractales, cubes, application de théorèmes mathématiques : ces principes forment le socle de cette collection. Loin d’être opposée à la création artistique, la rigueur mathématique en devient ici un outil, un cadre à l’intérieur duquel l’imaginaire peut se déployer.

Cette collection regroupe des œuvres qui s’appuient sur les langages algorithmiques formels pour générer des compositions visuelles rigoureuses et parfois même hypnotiques. À travers des jeux de répétition, équilibres précis et variations infinies, les artistes transforment les règles mathématiques en expériences sensibles, où la logique devient matière esthétique.

Il n'est pas surprenant que la façon dont Internet a changé notre culture soit un sujet central pour de nombreux artistes numériques. Certains artistes adoptent une approche nostalgique des premières icônes et symboles de l'internet des années 1990 et du début des années 2000, tandis que d'autres s'intéressent à la puissance de la blockchain et à la manière dont elle façonne un nouveau marché de l'art numérique. Cette collection démontre les différentes méthodes et techniques par lesquelles les artistes explorent la culture internet. À travers l'art fait avec du code, en explorant le glitch, en faisant des références à la blockchain ou en explorant la façon dont nos vies et nos corps sont de plus en plus imbriqués dans la technologie, ces œuvres reviennent à l'essence de l'influence - bonne ou mauvaise - d'internet sur nos vies aujourd'hui.

Dans un monde qui s’accélère, ces œuvres choisissent une autre voie : celle du ralenti, de l’infime, du presque immobile. Une fleur qui frémit, une silhouette en suspension, un paysage qui respire à peine… Ici, le numérique n’amplifie pas le tumulte : il crée un espace de calme, un temps parallèle. Ces créations contemplatives nous invitent à ralentir, à percevoir autrement le mouvement, à redécouvrir la beauté des transitions douces — développement, disparition, lévitation ou rotation délicate. Une esthétique de la lenteur, qui nous reconnecte à l’essentiel.

"Minimalist Marvels" est une collection soigneusement choisie qui explore la beauté de la simplicité et la puissance des objets singuliers. À l'ère numérique, où l'encombrement visuel submerge souvent nos sens, ces œuvres d'art témoignent de l'essence du minimalisme. Chaque pièce de cette collection capture un instant de pure clarté, où l'absence de détails complexes amplifie l'impact d'un objet solitaire.

En éliminant le superflu, les artistes nous encouragent à apprécier la pureté de la forme, l'élégance des lignes et l'harmonie des couleurs. Cette collection agit comme un sanctuaire, invitant les spectateurs à redécouvrir les merveilles qui existent dans le minimalisme, le subtil et le profondément élémentaire.``

En noir et blanc comme des photographies vintage… et pourtant, un côté résolument contemporain habite les créations des artistes numériques. S’exprimant à travers des techniques diverses, allant de la 3D à l’art génératif, certains artistes font cependant palette commune pour ne s’en tenir qu’à deux couleurs : le noir et le blanc. Un retour à une simplicité dualiste, un même motif intrinsèque, mais libre d’interprétation. S’il peut s’agir d’une réflexion à l’omniprésence des couleurs et des messages, on peut aussi voir dans ces compositions monochromes une opposition intemporelle. Le noir et le blanc comme la confrontation, l’altérité, le contraste, dans un manichéisme porteur de sens et d’émotion.

Les artistes de cette collection jouent avec les visages. Que ce soit pour les sublimer, les déformer ou bien les réinventer, le visage est le premier vecteur d'émotion chez l'humain. Les palettes numériques qui leur sont appliquées permettent d'explorer et d'amplifier cette expressivité, transformant chaque visage en une œuvre d'art unique et captivante.