À l’occasion de Movember, cette collection propose une réflexion visuelle sur la pluralité des masculinités. Le bleu, couleur emblématique de la campagne Movember, traverse l’ensemble comme un fil conducteur. Les œuvres abordent des thèmes tels que la solidarité, la sensibilisation à la santé mentale, ainsi que les états corporels, émotionnels et introspectifs qui, réunis, composent un portrait fluide de la masculinité.

L’art se mêle à nos méditations les plus profondes pour nous accompagner dans un voyage vers la découverte de notre paix intérieure. Si les vertus thérapeutiques de l’art sont bien connues, celles-ci se démultiplient grâce à l’exploration des nouveaux médias par les artistes, qui façonnent de nouvelles expériences sensorielles uniques. Captivantes et relaxantes, les œuvres présentées dans cette collection jouent avec les motifs et les textures, dans des animations parfois kaléidoscopiques et psychédéliques. Les artistes nous plongent dans des univers reposants, aux frontières de l’imaginaire et du réel, pour nous offrir un moment d’évasion dans une contemplation artistique méditative.

Le surréalisme digital donne vie aux rêves de tous ces artistes, héritiers de Dalí, Magritte, ou Ernst. Ils exploitent les outils numériques pour transcender les limites de l'imagination, créant des œuvres qui mêlent encore un peu plus leur monde onirique à la réalité.

Les êtres vivants, réels et rêvés, constituent un sujet d’inspiration inépuisable que les outils de l’art numérique permettent de renouveler. Les artistes digitaux brouillent les frontières entre le naturel et le fantastique, entre l’animal, le végétal et l’humain ; et ce en puisant dans des sources aussi diverses que la mythologie, les jeux vidéos, les sciences de la vie et la science-fiction.

Créatures surnaturelles, monstres mystiques, animaux fantastiques et plantes bizarres peuplent ainsi cette collection et nous confrontent finalement à nos questionnements les plus humains : la peur de la différence, la définition de la beauté, le cycle de la vie et le passage du temps.

To The Moon est une collection d'œuvres d'art numérique qui explore les merveilles de l'espace, la lune et les intrépides astronautes qui se sont aventurés au-delà de notre planète. Chaque pièce de cette collection capture la majesté et la beauté impressionnante du cosmos grâce à des techniques variées telles que la 3D et le collage numérique. Bien qu'elles soient axées sur l'espace et la technologie, les œuvres d'art de la collection To The Moon véhiculent également un sentiment d'émerveillement et de respect pour l'univers. Elles nous rappellent les possibilités infinies qui existent au-delà de notre propre planète et nous incitent à rêver de ce qui se trouve au-delà.

La question de la cohabitation entre humanité, nature et technologie dans l'ère actuelle et future est un sujet que de nombreux artistes numériques abordent dans leur pratique. Alors que nos vies deviennent de plus en plus digitales, la question de l'impact humain de ces développements sur l'environnement, la migration vers un monde numérique plutôt que naturel, ou l'imagination d'univers alternatifs où le monde est dans un état utopique d'harmonie entre la nature et ses habitants devient le sujet central pour de nombreux artistes.

Qu'y a-t-il vraiment dans les profondeurs de l'océan ? Les eaux de notre planète ont été la source de beaucoup de curiosité et de mystère depuis l'aube de l'histoire de l'humanité, donnant lieu à des histoires et des mythologies riches à travers le temps et les cultures. Dans cette collection, nos artistes se penchent eux-mêmes sur le sujet, réinterprétant et imaginant des mondes sous-marins dans leur propre style. Qu'il s'agisse de crypto-poissons vivant nativement sur OpenSea, de captations vidéo réelles de la vie sous-marine microscopique, ou encore de la remise en question de nos propres relations humaines avec l'eau, cette collection présente de multiples expériences et façons d'interagir avec l'entité sublime qu'est l'océan.

Cette collection explore le seuil fragile où corps, objets et êtres hybrides échappent au sol pour habiter un état de suspension. Défiant les lois de la gravité, ils dérivent entre ciel et terre, sans jamais appartenir totalement à l’un ni à l’autre. Dans cet entre-deux, la matérialité est remise en question : les formes s’allègent, deviennent incertaines, comme prêtes à disparaître ou à se transformer. Parfois l’expérience apaise, avec une sensation de libération, de poids qui s’envole. Parfois elle trouble, en éveillant l’instabilité, le vertige ou la peur de la chute.

Qu’elles demeurent immobiles, dans un équilibre précaire, ou qu’elles soient prises dans un mouvement subtil d’ascension ou de descente, ces entités habitent un mystérieux limbe. L’air devient alors une scène de tension et d’émerveillement, où la lévitation révèle à la fois la sérénité de la légèreté et l’inquiétude de la perte d’ancrage.

Cette collection invite à entrer dans un monde poétique où les teintes et les nuances sont délicates et appaisantes. Chaque œuvre permet de savourer la subtilité des dégradés et des textures. Dans l'univers des oeuvres Pastel, la douceur règne.

Armés de leur caméra, les photographes partent à la rencontre des possibles, au croisement entre paysages naturellement magnifiques et terrains imaginaires. Capturant des paysages de la même manière que les peintres utilisent leur toile pour fixer des images puissantes mais fugaces, les photographes orientent nos regards pour sublimer le réel. Explorant les possibilités infinies du numérique, certains artistes retravaillent parfois les couleurs et les images pour réinventer les paysages. D’autres appellent notre imagination à voir ses propres paysages dans des compositions colorées capturant les mouvement de peintures et de fluides, dans un souci du détail qui échapperait parfois à nos sens.

Couleurs Primaires est une collection qui s'inspire de la palette fondamentale du bleu, du jaune et du rouge, offrant une vision nouvelle de l'esthétique moderniste. De nombreux artistes de renommée mondiale, tels que Piet Mondrian, Yves Klein ou Keith Haring, ont fait de cette palette une référence visuelle universelle, rendant ainsi cette collection haute en couleur, intemporelle et ludique. Cette collection présente des œuvres d'art combinant les trois couleurs primaires, tandis que d'autres se concentrent sur une ou deux d'entre elles, créant ainsi un langage visuel dynamique et attrayant. Des contrastes audacieux aux harmonies subtiles, Couleurs Primaires explore la résonance esthétique de ces teintes emblématiques.

L’art numérique s’accompagne parfois d’une forme de nostalgie pour l’art traditionnel. Les artistes cherchent ainsi à concilier les chefs-d’œuvre de l’histoire avec les outils de notre époque, repoussant toujours plus loin les limites de la création. Découvrant de nouveaux horizons, ils nous font redécouvrir un art antique aux airs plus vrais que nature, grâce à des scans 3D ou des modélisations qui rendent hommage aux bustes de personnages mythologiques ou bien réels. Dans une fusion entre antique et numérique, voyagez au travers des époques et des styles artistiques.

À travers les âges et les médiums, les artistes ont exploité la lumière pour amplifier la résonance émotionnelle et l'impact visuel de leurs œuvres. Les sculptures jouent avec la lumière et les ombres pour façonner et sublimer leurs formes. Le chiaroscuro de la Renaissance voit les peintres exagérer les contrastes lumineux pour transmettre l'émotion et le drame. La lumière est même un symbole de la divinité, que ce soit par des rayons peints ou par le reflet de la lumière sur des surfaces.

L’émergence des technologies numériques a transformé cette relation à la lumière, offrant une nouvelle dimension. Lorsque la toile opaque cède la place à l'écran illuminé, la lumière elle-même devient le médium principal avec lequel les artistes façonnent leurs créations. Libérée de toute source physique et des contraintes des lois naturelles, elle ouvre un champ d’expérimentation sans fin. Les artistes de cette collection s’aventurent dans cet univers inédit, créant des compositions audacieuses et innovantes, impossibles à imaginer avant l’ère numérique.

Nous sommes de plus en plus conscients de l’importance de la santé mentale et c'est une bonne nouvelle. Souvent considérés comme facilement remédiable, les problèmes de santé mentale sont en fait difficiles à comprendre et à surmonter. Ils obscurcissent nos pensées et floutent notre vision de la vie. Nous perdons notre objectivité et notre jugement est teinté de stress et d’inquiétudes. Les artistes matérialisent à travers des expériences visuelles ce à quoi peuvent ressembler les problèmes de santé mentale afin de nous sensibiliser et ils nous rappellent à quel point il est important d’être attentif et de se faire aider.

Le design a souvent entretenu des liens étroits avec les beaux-arts. Dans l'art numérique, où de nombreux artistes commencent leur carrière en tant que graphistes ou concepteurs de sites Web, le lien entre les deux semble plus étroit que jamais. Dans cette collection, les artistes explorent les espaces intérieurs dans le contexte du design et des beaux-arts. En utilisant l'IA, la technologie 3D ou même le collage, chaque artiste aborde le design d'intérieur d'une manière différente, qu'il s'agisse de construire un espace onirique hyperréaliste ou d'interpréter un intérieur dans le métavers.

Cette sélection d'œuvres d'art montre comment les artistes numériques traitent les thèmes de l'histoire et du patrimoine de différentes manières, en utilisant diverses techniques pour faire passer leurs messages. Pour nombre de ces artistes, l'interrogation principale est la suivante : comment l'histoire peut-elle être reconsidérée, réappropriée ou réécrite par le biais des nouvelles technologies ?

Pour des artistes tels que le collectif français Obvious ou l'artiste japonaise Saeko Ehara, par exemple, l'utilisation de la technologie de l'IA est un moyen de revisiter le passé et de le réinterpréter par le biais de co-créations visuelles avec la machine. Par ailleurs, Joelle McTigue crée des œuvres abstraites à partir de ses propres photographies de divers sujets architecturaux et botaniques sur son lieu de résidence au Monténégro, et raconte ainsi l'histoire économique, politique et coloniale de cet endroit. D'autres artistes, comme Marine Bléhaut ou Rafafans, utilisent des vidéos ou des collages animés provenant d'archives cinématographiques ou d'œuvres d'art historiques pour donner une tournure contemporaine à des sources anciennes, en abordant les thèmes de la mémoire, de la nostalgie ou de l'intemporalité.

Toutes les formes d'art - qu'il s'agisse de peinture, de sculpture, de photographie ou d'art numérique - ont le pouvoir d'encourager un état d'esprit contemplatif et méditatif. Il en va de même pour l'art numérique, où certains peuvent trouver la paix dans la perfection d'un code bien exécuté, l'équilibre dans des formes symétriques ou géométriques, ou le rafraîchissement dans un bain de technicolor.

Les artistes numériques s'interrogent souvent sur la question de la masse, ou de l'objet, pour les œuvres d'art basées sur des fichiers qui sont presque toujours affichées sur un écran 2D. Contrairement à la peinture ou à la sculpture, il peut être difficile de saisir différentes dimensions ou textures, en particulier pour une œuvre qui ne peut être manipulée, ni même sentie, et qui ne peut souvent être perçue qu'à travers le sens visuel. Comment les artistes surmontent-ils cette barrière sensorielle et créent-ils des œuvres d'art captivantes qui font appel à tous nos sens, malgré ces difficultés ?

La collection "Playing with matter" (Jouer avec la matière) explore les multiples facettes de la manière dont les artistes numériques abordent cette problématique. En donnant vie à des objets domestiques et en observant l'interaction de ces matériaux entre eux et en mouvement, ou en explorant la matière abstraite dans diverses textures et formes, un véritable sens de l'objet ou de la masse est transmis. Les œuvres de cette collection révèlent non seulement la qualité et la précision remarquables des outils numériques et des logiciels dont disposent les artistes aujourd'hui, mais soulèvent également la question de savoir comment nos vies numériques et immatérielles ressemblent chaque jour davantage à nos vies matérielles et "IRL".

« Lumière et Espace » est une collection d'art numérique évocatrice qui explore le pouvoir transformateur de la lumière dans les environnements intérieurs et extérieurs. S'inspirant des principes du design spatial et de l'architecture, chaque œuvre capte la capacité de la lumière à sculpter et définir des espaces de manière inattendue et onirique. Avec une attention particulière aux perspectives, les œuvres offrent des points de vue uniques qui invitent le spectateur à s'arrêter et à réfléchir. La lumière n’est pas seulement un élément physique ici, elle devient une force créative, projetant des ombres douces, illuminant des recoins cachés et se fondant harmonieusement avec la géométrie de l’environnement. La collection dégage une atmosphère apaisante et sereine, où chaque rayon de lumière agit délicatement sur l'œuvre. Qu'il s'agisse d'adoucir des intérieurs minimalistes ou de créer une atmosphère paisible à l'extérieur, « Lumière et Espace » apporte une qualité méditative à la relation entre la lumière, l'espace et la perception.

Cette collection est centrée sur des œuvres qui prennent les rêves comme principale source d'inspiration. Que les artistes tentent de dépeindre visuellement ce à quoi un rêve pourrait ressembler ou se sentir, ou qu'ils créent leurs pièces à partir d'un rêve qu'ils ont fait, les possibilités infinies de l'art numérique se prêtent bien à la qualité éphémère et intangible d'un rêve.

Explorez les profondeurs de la forêt dans cette riche collection d'œuvres d'art. Grâce à différentes techniques, nos artistes jouent avec la perspective, la profondeur et imaginent même des interprétations surréalistes de ce qu'est une forêt dans cette collection d'œuvres. La forêt, souvent énigmatique et lieu de folklore, se voit ici conférer une couche supplémentaire de magie ou de mystère grâce à des outils numériques tels que l'intelligence artificielle, la 3D, l'AR et le collage. Oserez-vous pénétrer dans les profondeurs de la forêt ?

Paris n’est pas une carte postale figée, c’est une ville en mouvement, vivante, vibrante, changeante. Cette collection explore les multiples visages de la capitale : ses monuments iconiques, l’effervescence olympique, les plaisirs gourmands, l’âme de ses musées, et l’énergie de ses rues. Les artistes y capturent la ville comme on la ressent vraiment : une mosaïque d’instants, de lumières, de sons et d’émotions.

Entre patrimoine et modernité, Paris devient ici un terrain d’expression visuelle : tour à tour intime, grandiose, drôle, nostalgique ou bouillonnante. Une ville que l’on croit connaître, mais qui continue toujours de surprendre.

La France est l'un des principaux pays d'Europe pour l'art numérique et le Web3. En célébrant la créativité et les contributions des artistes français aux médias et techniques numériques, la France continue de s'imposer comme un leader sur les questions liées à l'intersection entre l'art et la technologie. Dans cette collection, une grande diversité de techniques - telles que l'art génératif réalisé avec du code, la captation vidéo, la 3D et le collage numérique - démontre la nature vaste et profonde de l'engagement de la France dans le développement de ce secteur.

À quoi ressemble la musique ? Bien que de nombreux artistes, tout au long de l'histoire de l'art, se soient directement inspirés de cette expression créative immatérielle pour créer leurs œuvres, la capture des notions sentimentales et rythmiques de la musique est un défi. L'art numérique offre une occasion unique de rectifier ce dilemme, car les artistes intègrent les ondes sonores et les décibels de la musique directement dans le code qu'ils utilisent pour créer des œuvres d'art génératives. Ailleurs, des artistes s'emparent de l'esprit créatif de la musique et le restituent directement dans des œuvres figuratives, transmettant ainsi la magie émotionnelle que la musique peut créer.

Les outils numériques ont imposé une métamorphose radicale à notre rapport à la lecture et l’écriture. Cette collection rassemble des œuvres qui explicitent ce changement : elles montrent des bibliothèques de rêve, incarnant l’accumulation infinie de textes que le monde virtuel rend possible, et démontrent ou regrettent la disparition de l’écriture manuelle.

Une chose est sûre : démultipliés par l’ère numérique, les mots sont plus puissants que jamais. Ils sont une inspiration, une arme, une bouée de sauvetage, et une porte de sortie. Préservons les mots et les livres, virtuels comme physiques : ils incarnent notre humanité.

L’art de la sculpture est avant tout une histoire de techniques. Modelage, taille, moulage, fonte, tirage, selon que l’on travaille la terre, le métal, le bois ou la pierre…

Mais en déplaçant la sculpture dans l’espace virtuel, les artistes ouvrent un nouveau monde de possibles. Tant la matière travaillée que les techniques employées pour ce faire s’affranchissent des considérations prosaïques de la réalité : la gravité, la température, la fragilité… et donnent libre cours à leur imagination pour créer des statues impossibles aux propriétés étranges, comme la malléabilité.

Pourtant, il ne faut pas croire à une rupture radicale avec l’histoire de la sculpture : on observe au contraire, chez nombre sculpteurs numériques, un intérêt renouvelé pour son passé et notamment pour la sculpture antique, qui ne cesse finalement d’inspirer les artistes, au fil des siècles.

Il est devenu de plus en plus évident que notre planète a une date d’expiration. La seule solution est que l'humanité se rassemble et change sa façon de vivre et de traiter son environnement. La gestion des déchets et le recyclage ne sont plus un choix mais une nécessité. Grâce à l’utilisation d’outils numériques les artistes créent des environnements poignants, qui parlent à nos émotions afin de susciter un sentiment d'urgence. Leurs œuvres nous montrent à quoi ressemblerait notre monde si nous ne faisons rien ou imaginent des endroits où la nature est magnifiée parce que nous en avons pris soin. Ces oeuvres nous invitent à prendre des mesures immédiates pour régler les problèmes environnementaux avant qu’il ne soit trop tard. Le temps presse et les artistes sont là pour nous le rappeler.

L'art numérique a souvent été confiné à une niche dans le monde de l'art international. Dans cette collection, les artistes numériques s'inspirent de l'histoire de l'art, soit en réinterprétant des chefs-d'œuvre de la Renaissance et de l'époque classique, soit en réimaginant ce à quoi pourrait ressembler le white cube d'une galerie à l'ère du numérique. Ce faisant, les artistes numériques réinterprètent la manière dont nous construisons et lisons l'histoire de l'art, mais revendiquent également leur place dans le canon de l'art.

Cette collection d’œuvres explore les thèmes captivants du désir et de la sensualité. Grâce à l’utilisation de multiples techniques et compétences, les artistes explorent les subtilités du désir humain, créant des récits visuels qui évoquent la passion et la sensualité. Que ce soit par le jeu de la lumière et de l’ombre, les courbes gracieuses de la forme humaine ou la représentation intime de moments chargés de désir, ces œuvres invitent le spectateur à contempler la profondeur de l’émotion humaine. L’exploration du désir et de la sensualité dans l’art est un témoignage de la nature universelle de ces expériences humaines.

Cette collection met à l’honneur l’héritage culturel et architectural français, en écho aux Journées du patrimoine. Artistes, sculptures, jardins ou monuments historiques deviennent les points d’ancrage d’œuvres qui réinterprètent notre mémoire commune.

Les artistes convoquent le patrimoine sous des formes multiples : architectures réinventées, paysages façonnés par l’histoire, détails sculptés ou encore une évocation culinaire. Chaque œuvre porte en elle la trace d’un savoir-faire, d’une époque ou d’un lieu qui participe à l’identité française.

À travers ces visions, le patrimoine se fait matière à création contemporaine. Il ne s’agit pas seulement de contempler des vestiges du passé, mais de révéler leur résonance dans le présent et leur capacité à inspirer l’imaginaire des artistes du présent.